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Fortepiano
發表於: Sep 5 2017, 10:51 PM


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作者:Rayna Chou
圖片來源:樂旅人提供

這是我跟M離家後的第七個暑假,不一樣的是行李裡多了張畢業證書,一樣的是降落的那瞬間,全身就想起了台灣的熱情。
早在畢業前就特別有感觸,很真實深刻的面對一個階段的結束。而身為一個學生和音樂家我們都不小了,雖然我們都會繼續讀碩士學位,但是也到了常常煩惱著未來的年紀。
為什麼學音樂其實現在爸媽都也不太確定,媽媽只是聽說學音樂的小孩不會變壞,誤打誤撞考上員林國小音樂班的時候,爸爸媽媽才查了很多小提琴的資料也向有經驗的朋友打聽了許多。到選樂器當天,我站上台,笑嘻嘻地執意把姓名牌貼在中提琴欄裡。後來知道只有在台灣才有照名次選樂器的制度,小小的我們當時根本不會知道,那個名牌有多重要。
為什麼會想起這個?
因為我的母校員林國小的報到日這天,而我知道的是,今年的錄取率是百分之百,只有15人報名。
其實已經很久都沒有回學校看看,熟悉的老師也已經退休或是離開音樂班了,和小學同學也很少聯絡。但是自從曉明音樂班的停辦,同樣在美國許多畢業的學長姐選擇留在國外,即便勇敢歸國教琴的他們,也早已體認到台灣音樂環境的辛苦:沒落的音樂班,票房不佳的音樂會,最低薪資的回報,態度隨便的學生和懷著試用心態的家長等等。
另一邊我聽著中國朋友們說著每一屆中央音樂院的考生上千人,每個樂器只取一位。許多大師也每年都受邀到中國教大師班。
我看著韓國和我們同樣年紀的音樂家屢屢贏得世界大獎。賽後的訪問他們說回韓國即使不是立刻的第一目標,但還是他們最終目的地。
許多美國同學更不是科班出身,美國沒有像中國或台灣這樣的音樂資優班,一般高中只有音樂社團,美國僅有三家藝術專門高中。
我無法告訴你音樂班到底好不好,也不能說別國的體制真的比我們的好,我只能告訴你這幾年在美國唸書我所學和所想。
台灣教育下長大的我們都很努力,從小到大沒停過的考試,反反復復的教改也看出台灣人對知識的高標準。但是其實那些曾被認為將改變一生的考試結果早就被遺忘,而我們真正記得多少也都是不好意思的心裡有數。
音樂,藝術,運動更是常常被認為是不需要的,以後再說的,甚至被戲謔的說成是有錢才可以的。
而我們比任何人都知道那些讓家長卻步的原因,因為我們的爸媽也曾糾結過。音樂專業這個領域有許多缺點都還沒有解決方法。這些缺點都很真實,現實也常常否決我們的夢想。但是,我們都沒有後悔,因為我們為音樂付出的,遠比不上得到的。
我已經不記得小時候在技術上學習到了多少,那時候拉琴彈琴沒有想很多。而現在懂得了,早在四歲第一堂音樂教室的課時,那個還不知道該如何演奏的樂器,即使像個玩具,也已經教導我如何珍惜,如何為它負責任,學習到了最單純的尊重。
也不記得考了幾次小考月考段考週考,但是每次演出我都記得。那種準備音樂會的努力,開場前幾天的緊張,迎著掌聲上台時胃七上八下,
演出前時間都停止般的安靜,那種知道觀眾和這世界在等待著你的瞬間,會給人一股力量。
從小學習音樂除了給予孩子一個才藝,更是開始了一個不一樣的人生道路。
懂得如何透過音樂表達自己的情緒,敞開心讓自己被感動,在最黑暗無語的時候也有音樂陪伴。我理解學科的重要,升學的壓力,但是現在大學畢業的我其實看清的是,沒有東西是保障的。學數學,也不一定會成為數學家。學理化,也不一定會成為科學家。學國文,也不一定會成為大文豪。
不是說這些科目不重要,而是別再認為學音樂,孩子以後就一定會成為找不到工作的音樂家。
學音樂最重要的是能給對未來未知的孩子一種最正向的信心。
小小年紀就能體驗到不斷努力所得到的成就感,這種來自內心的肯定感,可以在這競爭越來越大的時代裡永遠保護支持你,不管是在一帆風順的日子,還是茫然之時。即使遇到挫折也知道有人正在聽著,自己正被重視著。而在這世界你已經擁有值得引以為傲的一技之長。(畢業前修了一堂 Brain, Music and Development 學習到了許多音樂對腦部和心理成長的重要性。許多研究都證明了音樂所能造成的龐然正面影響。期待之後和大家分享,希望在那之前文筆進步,能把科學事實講的有趣一些才行。)
藝術是能一輩子留在自己心裡的學問,懂得越多,越能讓生活更有深度。蔣勳在書裡寫過,美,使我們不再粗糙 ; 我們的美,使生命不斷地有更多細節。
不再讓自己整天忙忙碌碌,空閒時刷手機看電視聊八卦,然後每晚閉上眼睛想著,咦?我今天到底幹嘛了?
我們終究只是這世界的過客,再重要的一場音樂會也就是地球轉動中的一晚。但是我們都還記得那曾經刻骨感動過我們的音樂會,成為了我們生命裡不平凡的一晚。(2008年Andrea Bocelli在台中的音樂會,他唱起最後一首encore曲Time to say Goodbye時,15歲的我痛哭到落幕。)
雖然音樂並不是生命的必要品,沒有音樂也能活過一生。但是舉例來說,紐約911發生時,這從不曾停下的城市瞬間陷入恐慌,悲傷和憤怒。在人們都還不知道該如何面對甚至如何反應的時候,紐約第一場公共活動是紐約愛樂的音樂會 - 音樂無法讓人死而復生,生命也不會因為沒有音樂而結束,但是音樂能給予人的是精神層面上的滿足。人人都只活一次,不管你擁有多少,我們都很公平只有這一次機會,所以這輩子不該埋頭一次次追求一時的需求,尤其是在接觸社會前敏感的孩子及青少年們。

所以,讓孩子學音樂吧。

我不敢保證他能賺進大把大把鈔票或是擁有光鮮亮麗的名氣,但是當您看著自己平時懵懵懂懂的孩子靜下心來拿起樂器,專注勇敢的演奏已流傳百年的樂曲,您會熱淚盈眶的,您會懂那將是生命最美好的時刻。
即使音樂不是他的專業,當您的孩子成年他可以和朋友聊起音樂,空閒時可以帶家人一起聽音樂會,甚至能在朋友聚會時笑著說:「哎呀好久沒練了啊!」就能起樂器一起演奏。
白頭時,我們和您的孩子都會聽著自己的錄音,知道自己努力過了,也成功的在這輩子成為了藝術歷史裡的一份子。
一起追求那最偉大的目標,在這世界和曾相遇的人們心中留下一點痕跡,讓這一生充滿感動。
Be a part of something that is bigger than any of us
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Fortepiano
發表於: Feb 12 2017, 01:04 AM


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【如何克服演奏怯場】♩.♪
郭宗愷教授

*上台前緊張的症狀:
生理上:呼吸急促.心跳加速.流手汗.肚子痛.雙手顫抖(甚至全身發抖)------
心理上:腦筋一片空白.怕丟面子.怕錯誤百出------

*「緊張」(stagefright)一定是敵人嗎?
事實上,適度的緊張反而能讓演奏表現變佳,只怕超過緊張的「臨界點」,演奏表現則會急遽失常!
有許多音樂學習者,雖然可以在家中演奏好某種樂器,但只要一上台卻表現失常,並造成嚴重的挫折感,也因為如此,使得許多原本優秀的音樂人才,放棄演奏,甚至放棄音樂的學習;相反地,如能享受演奏的樂趣,享受與聽眾之間的互動,則能讓演奏者得到莫大的滿足與成就感,由此可見,「如何克服演奏怯場」是所有演奏者必須修練的一門學問。

*演奏時應有的心態:
幾乎所有的演奏者都希望自己的演奏是「完美」的,然而,卻少有演奏者曾思考:「我為什麼要演奏?」,這就如同「人生的意義為何?」,是一種價值觀的確認!事實上,演奏的目的無非就是要「把美好的音樂分享給聽眾」,並使聽眾獲益、有所啟發,然而,在演奏前捫心自問:「我為什麼要演奏?」將有助於演奏的進行!
追求「完美演奏」的心,對演奏本身是一大阻礙,其實,聽眾根本不在乎演奏過程中的小瑕疵,而演奏者卻常把「小錯誤」過度放大,常常,演奏者在演奏進行中,心中不自覺地停留在那微乎其微的「小錯誤」上,而更加的錯誤百出,一敗塗地,在台上,切勿「追求完美」!
演奏前與自己的「正確」對話應是:「我是人,我不是機器,我有犯錯的權利!」,上台前及演奏中,只要保持著「盡力而為」的心態即可。
演奏時,必須愛藝術遠勝於愛自己!也就是說,不怕丟臉、不怕失去尊嚴,以「把好東西分享出來」的心態演奏,並且,完完全全地「投入音樂」就safe了!
演奏前常會有許多「負面反應」,例如:緊張、自卑、畏縮--------等等,經過實驗證明,越壓抑負面反應,它就越要吞噬你!要對付它,必須:
接納它!(不可反對,也不可壓抑它!)疏導它!
Ex:在國外,某位專講「如何克服怯場」的演說者,要求一位「緊張大師」到台前閱讀報紙,剛開始,「緊張大師」在眾人面前根本說不出話,拿著報紙的雙手,也不斷的顫抖,抖得手中的報紙窸窣作響,正當「緊張大師」越來越緊張時,這位演說者走到他的耳邊,小聲的對他說:「盡量抖------」,奇怪的是,不一會兒,顫抖的雙手,漸漸地不抖了,「緊張大師」的情緒也漸漸地穩定下來------

*上台演奏的基本公式:
1.接納自己的負面反應!
2.做音樂!(思考並完全投入音樂!)

*平常練習時應有的心態:
什麼是「練習」?練習就是「反覆的演練」!而練習時必須有的重要觀念是:『任何反覆,一定要有目的』,也就是說,每次練習時,你必須先清楚的知道------自己要解決的問題是什麼?你要達成的目標又是什麼?無意識、不自覺的反覆演練,效果有限!
平時的練習,必須「要求完美」,在謹慎、正確的控制下練習,Everything will be perfect!包括「速度」、「力度」、「音色」、「時間」、「持續力」、「專注力」------等等,都須「追求完美」。
練習的原則:做「正確無誤」的練習,要能正確無誤,則必須從「慢速」開始,唯有慢速度的練習,才可能正確!
通常,對於樂曲中的「難句」,需做「超越練習」(over-learning),假設:每做20次的難句練習,可能剛好有一次正確無誤的演奏,千萬不要以為這一次的正確、完美,即代表你在上台時也會有同樣完美的表現,因為,每一次的練習,無論對錯,都會輸入腦中,而錯誤的練習(即使後來練對了!),都將會成為演奏時的不定時炸彈,唯有完美練習次數的增加,錯誤練習次數的減少,才可能成為上台演奏的完美保證。
Ex:在美國,有某位鋼琴演奏家,為了得知自己在某個「難句」練習的次數,他先準備一大籮筐的細小紙球和一個字紙簍放在鋼琴的兩側,每當他練一次那某一段的「難句」,他就撿起一小粒的紙球丟到字紙簍,等他練到自認為完美時,他請朋友們幫他數一數字紙簍裡共有幾個小紙球,答案是------------三十三萬個!

*有關「演奏記憶」:
「演奏記憶」像是「按圖索驥」------在「動作」上、「視覺」上、「聽覺」上的maping,而演奏的記憶可分為:
1.觸覺記憶:動作大量反覆後所形成的「反射動作」,而「快速流暢」的演奏,必先形成「觸覺記憶」.
2.視覺記憶:眼睛與曲譜的大量互動,達到腦中先有曲譜再演奏的境界.
3.聽覺記憶:耳朵須先響起演奏的音樂再演奏.
4.分析性記憶:對於樂曲的深入分析,包括「樂句段落」的分析、「強弱」的分析、「速度」的分析---------等等,形成「分析性記憶」
儘管演奏的執行須靠「觸覺記憶」,但是,它卻很不可靠,因為,一旦觸覺記憶進行時,受
到任何的干擾,都有可能立即終止觸覺記憶,而宣告演奏中斷,所以,光靠大量反覆練習後的「觸
覺記憶」是不夠的,還需配合「視覺記憶」、「聽覺記憶」及「分析性記憶」!
唯有在台下有十全十美的練習,在台上才「有可能」達到完美!

*演奏當中,腦筋一片空白時------
1.喊自己的名字!
2.做音樂!

*上台前克服緊張的妙方:
一.呼吸(調息)法:
1. 吸足氣4拍(自己數拍子)
2. 持氣8拍
3. 吐氣4拍(所有的過程需放鬆)
二.藥物服用:儘管藥物能有效控制上台前的生、心理狀態,但未必要,勿用此法!捏雙耳邊緣的上、中、下3個點(穴道處)各數下,有助紓解緊張.

*適應舞台 漸進式治療法:
1.自己實際到舞台上走一次.
2.自己實際到舞台上演奏一次.
3.實際到舞台上演奏一次,並用「錄音機」當聽眾.
4.實際到舞台上演奏一次,並請一位好朋友在台下聽.
(繼續加強上台演奏的「強度」直到適應舞台為止)

*舞台想像法:在演奏前一晚睡覺前,想像演奏時的所有過程、細節,包括演奏前、演奏中、演奏後的自己、聽眾與週遭環境,所有的想像都必須是「正面」、「逼真」的!

*上台前的禁忌及注意事項:
1.含有「咖啡因」的飲料千萬不要飲用.
2.請勿吃「鎮定劑」---情緒雖可穩定,演奏表現也會很「鎮定」!
3.上台前盡量要維持情緒的穩定,勿與人聊天打屁.
4.演奏前一晚,一定要有充足的睡眠!
5.演奏當天的練習,一定要「看譜」練習.
6.演奏前的練習,一定要和緩、穩定,將所有「能量」及「表現」集中在演奏時!
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Fortepiano
發表於: Jan 26 2017, 12:44 AM


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蒙特利爾大學在一項研究中發現,音樂家的反應速度比非音樂家的對照組還快,顯示出接觸音樂能對非音樂的行為反應造成影響。

實驗對象中的音樂家組包括鋼琴家、小提琴家、打擊樂手、低音提琴手和大提琴手,這些音樂家都是在 3 至 10 歲的階段開始學習樂器;而對照組則是 19 位來自另一科系的學生。

實驗中,所有受試者被要求在感應到任何震動或是雜音時就按一下滑鼠。結果音樂家們的反應程度比非音樂家的對照組平均高出百分之三十,研究人員也因此認為音樂家們會是比較安全的駕駛。

這份研究結果對於高齡者也有幫助,因為透過研究證明,音樂可以成為幫助減緩腦部退化的良方!

出處:
cmuse
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Fortepiano
發表於: Jan 26 2017, 12:20 AM


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教育欠所有人音樂、美術跟體育課
作者:時報出版

發表日期:2016-08-29

文│楊照

有音樂和美學素養的人,才可能組成美好的社會

這幾十年來,台灣從來沒有過像樣的音樂教育。聽到稍微複雜一點的音樂,許多人遇到的問題根本不是「聽不懂」,而是「聽不見」。接觸音樂時,只能聽見歌曲,聽見歌曲中的歌詞、歌詞旋律的變化,除此之外,就都聽不到了。聽不到和聲、聽不到調性變化、聽不出來前段音樂和後段音樂之間的關係、聽不出來音高挪移、聽不出來樂器組合對應、聽不出來樂句與樂句間的細微變化。

這些都聽不到,怎麼聽音樂?

怎麼能從沒有歌詞的音樂中得到感動?而我們受教育的目的,不應該就是期待在幾年的時間中,打下能力基礎,讓我們能對於這個世界上最美好的事物,有了吸收與享受的機會嗎?

從我努力介紹音樂的經驗中,我真的確信沒有人的聽力不足以清楚分辨、聽見巴哈的三聲部賦格曲,將三條平行、平等的旋律聽清楚,進而理解、思考三條旋律之間的關係。不,問題不是出在我們的耳朵,問題在從來沒有人在我們成長時幫忙我們開發這樣的聽力,讓我們能夠聽見最複雜、最美好的聲音。

這種事最糟糕之處,在於你從來聽不到、領會不到,也就從來不知道、不會遺憾自己到底承受了多大的損失。你覺得沒有音樂也活得好好的,你覺得活在噪音環境裡一樣活得好好的。不曾體會過美,也就不會遺憾美的闕如,不會想要避開醜陋,還理直氣壯地表示:「這哪裡醜了!」

這樣設想吧!從小學到國中畢業,有九年時間,每週有一個小時的音樂課,如果不要把這些時間弄成可有可無的「唱遊」,如果可以用心設計訓練孩子最敏銳的聽覺,有系統地從音高、音量、節拍、音色、方向一一教起,然後培養孩子了解音樂形成的道理,從物理的音頻到大小調,再到人為的結構設計,讓他們聽見不同樂器的聲音,聽見器樂乃至人聲如何混和形成音樂,最終讓他們聽到有秩序的美好音樂,因而能夠分辨聲音的品質,受不了噪音、受不了粗製濫造的音樂。那麼,這個社會,我們所生活的環境,會產生什麼樣的變化?

這難嗎?這不可能嗎?九年,每週一小時,夠教太多、太多內容了!關鍵在:為什麼我們中小學的音樂課,什麼都沒教? 幾乎沒有人從音樂課上學到任何有意義的知識或能力? 稍微有點音樂知識、能力的人,要嘛來自自身天分,要嘛是在課堂外學樂器演奏中得來的。這不是浪費是什麼?

這個社會欠所有的人基本的音樂課。這個社會也欠所有的人基本的美術課。這個社會更欠所有人基本的身體課程。光說這三樣就好了,這意味著這個社會絕大部分人沒有機會好好開發自己的聽覺,缺乏聽覺上的品味。這社會絕大部分的人也沒有機會好好開發自己的視覺和身體自覺,無從評斷什麼好看、什麼不好看,也無從知覺自己的身體動作怎樣好看、怎樣不好看。

不管喜不喜歡,這就是事實。聽不出音樂好壞的人,缺乏視覺美術分辨能力的人,還有,從不接觸舞蹈動作之美的人,這樣的人組成的社會,可能是個美好的社會嗎?

可惡的是,大可不必如此。只要我們的教育體系正常些、有良心些,不要不合理地忽略與文化品味有關的項目,給大家對的音樂課、美術課、舞蹈身體課,讓美學品味深留在每個人心中,狀況就會大大不同。如此不像樣、不稱職的教育存在那麼多年,大家都還繼續容忍、接受,唉,為什麼?



讓旅行不只是獵奇,而是美感與文化的學習之旅

今年三月,我們一家又去了一次日本京都。選擇那個時間,一方面是配合女兒放假,另一方面也是為了避開櫻花季恐怖的觀光客人潮。

去到京都發現即便是花開前一、兩週,理論上的淡季,街上都還那麼多來來往往的觀光客;更意外的,走來走去經常就遇到說國語或說閩南語的台灣人。台灣人真愛京都啊,連這種時刻都那麼多人有空在京都遊晃。

我們去了平安神宮,入門的廣場簡直就被台灣人占據了,穿過廣場的一路上,聽到台灣人說話的聲音,遠多過聽到日語。到了庭園的入口處,情況改變了,那裡空蕩蕩的,幾乎沒有人。讓我一則竊喜,一則感慨。竊喜是庭園裡人跡鮮少,極度安靜,可以完整地享受庭園之美,不受干擾。感慨的是,這意味著那麼多台灣人到了平安神宮,卻不進庭園?如果不進庭園,那到平安神宮幹嘛?平安神宮最美、最有價值的,不就是庭園嗎?

好好享受走了一圈庭園,出來時,像是刻意安排好似的,遠遠就聽到一個台灣人在回答我的疑問,她理直氣壯地用我沒辦法不聽到的口氣說:「也沒有花,也沒有葉,花那個錢進庭院幹什麼?」

從人數比例上來看,顯然她的意見很有代表性。為什麼不進庭園,因為一般台灣人只會欣賞一種美──那就是奇景奇觀(spectacles)。櫻花盛開是奇景,值得看;楓葉變紅是奇景,值得看。當然以此類推,玻璃高跟鞋教堂也是奇景,所以也值得看、值得驕傲。

類似的現象一再出現在我們的京都之旅中。嵐山的竹林路上擠滿了台灣觀光客,要走得過去,得用國語說「借過」,而不是說日語。然而在竹林路盡頭,那麼漂亮別致優雅的「大河內山莊」,沒有任何台灣人要進去。東山的「花燈路」點燈了,又是好多台灣人走來走去,卻絕大部分都過「高台寺」而不入,顯然也就不曾體會寺內池塘點燈夜景中的絕世魅影。

去旅行只找奇景,只求和奇景拍照,是台灣人內化的美感觀念,也是使得旅行如此可惜的主因。京都為什麼是京都,正因為京都的美無所不在,如果願意,你可以和京都的環境發生多少細密、感動的關係。源自殘缺的美學教育,台灣人殘缺的美感硬生生地將京都化約為幾個「奇景」,就是去那裡沾醬油式地和幾個「奇景」拍拍照,然後就沒了。如此簡化京都,當然不是京都的損失,損失的,是自以為這樣就叫做去過京都的台灣人。

沒有櫻花、沒有楓葉的平安神宮庭園,仍然有著諸多細緻之美,那是小川治兵衛的傑作。從平安神宮出來,大約十五分鐘步程外,有另一個小川治兵衛的作品,「無鄰菴」的庭園。「無鄰菴」是山縣有朋的別邸,一九○四年,明治時代重臣聚集在這裡,開會決定了對俄羅斯開戰,同一天也就在這裡對外宣布了這個驚人的消息。日本近代史的關鍵之一,「日俄戰爭」不折不扣從這裡開始。「無鄰菴」多年來維持很低的「拜觀料金」,四百圓日幣,日幣大貶後漲了價,漲成四百一十圓,漲了等於沒漲。顯然沒有太多經費可用,「無鄰菴」的庭園右半邊維持得很好,但左半邊卻呈半荒廢狀態。站在那裡,因而可以有另一種享受──清清楚楚看出小川治兵衛的用意,如何將原本像左半邊那樣的地貌、地景,改造成右半邊的優美庭園。那是再美好不過的現場日本庭園課。

還有一種更深刻、更豐富的庭園課。我們先去了円山公園,那裡對著大垂櫻的一片庭園景色,原先也是小川治兵衛設計的。然後去平安神宮,再去「無鄰菴」,這樣就連續感受了這位冶園大師的三件作品,而且是很不一樣的三件作品。平安神宮庭園是為天皇、為極少數貴族設計的,現在仍然完整保留其高貴面貌。「無鄰菴」是為國之重臣所設計的,規模和華麗程度都低得多,卻也因此而能有一種平安神宮庭園不會有的自在與灑脫,而「無鄰菴」目前保存狀態,比平安神宮也差了一級。

但還是比円山公園好。做為一個開放式的公園,這裡的庭園無可避免大大走樣了,和小川治兵衛原本的設計,有了很大的落差。看完「無鄰菴」,我們重訪円山公園,站在庭園小小的石橋上,我心中有很深的感動,我不只看到了眼前走樣了的庭園,我覺得我可以藉由平安神宮和「無鄰菴」的設計,想像還原當時小川治兵衛所追求的庭園樣貌。我可以感受到他的夢想,他要將原本只有天皇、貴族、重臣能夠享受的庭園之美,搬到円山公園,讓所有的京都市民都能擁有、都能體會。

我希望讓女兒也能如此和這些庭園產生關係,能夠感受到在這些景物之後,有著小川治兵衛跨越時代、跨越文化而來的高貴理想精神,與超逸的設計能力。我希望她以這種方式認識京都,從京都學到高貴的標準,不只是去景點拍照打卡,不只是用看奇景的心情去追櫻花和楓葉。

摘自 楊照《勇敢地為孩子改變:給台灣家長的一封長信》/時報出版
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Fortepiano
發表於: Jan 26 2017, 12:11 AM


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「我正往歌手發展。」在朋友約的一個聚餐,一位斯文的年輕人自我介紹;同桌的人好奇發問:怎麼學音樂的、為什麼想當歌手、眼前的事業計畫…最後有人發話:「那你現場唱首歌表演一下吧!」

「呃…」年輕歌手的笑容有點勉強。

「別別別!」我顧不得發話的人是我的前輩,急促地表達我的意見。「你不要這樣子點人家唱歌,很不尊重的。」但是前輩還沒理解過來,回問:「奇怪了,人家當歌手,讓他唱一段有什麼不可以了?」

可能我們身旁大多數人都不知道,「現場幫我們表演一下吧?」這樣的要求對藝術工作者很不尊重,而他們還常常有苦說不出。

專業表演需要環境與工具
專業藝術工作者,就和任何專業人士一樣,並不是隨時隨地就能把自已的專業拿出來展示。他們不是隨時可咀嚼的口香糖。

如果在飯局上遇到個牙醫,你會不會側身一躺:「來幫我補個牙吧?」我估計你不會,如果你精神正常。

牙醫需要環境,不能有人打鬧走來走去,免得哪個冒失鬼撞一下牙醫。

病患要有張躺椅、要有集光燈,牙醫需要工具,例如鑽牙器具、鑷子、麻藥…。連牙醫坐的輪椅都是有考究的,如果你留神觀察,那個椅子像個馬鞍,讓人可以上身靈活運動,長時間坐也不會痠痛。

專業表演需要準備與設計
我們會以為一個專業歌手,隨時開口就能唱得很好?其實錯了!

正如一個專業運動員在上場比賽前要熱身,把身體機能與心理思維調到最適狀態,任何藝術工作者也是一樣。

歌手在唱歌之前需要暖嗓,需要發聲,不然聲音無法飽滿圓潤;在唱歌前不宜吃炸的、重甜重鹹。我自己身為演講者是深有體會,如果吃了重味的食物再演講,不但唾腺分泌口水太多,而且會很容易喉癢燥聲。

歌手開唱前,需要調整自己與聽眾的心理狀態 -- 走上台,下前奏,全場掌聲後安靜,每個人都聚睛會神。在這種狀態下,歌手才能把自己的心神投入歌曲之中,無論是歡樂或是哀傷,也才能感動我們。在飯局中,鄰桌還在大聊股票、政治、八卦,還有人在啃雞腿、吸麵條,這明顯不是妥善的時機。

你在要求他「背棄所愛」
也許你會說「我又沒有要他認真唱,你會不會想太多了?」

不是我想太多,而是你想太少了。藝術工作非常辛苦,收入常常不高,很多不確定性。他們承受家庭的壓力、社會的主流見解,通常就是因為他們對藝術有分愛好與熱忱。這樣的人對於表演品質最敏感,想把完美呈現在別人眼前。

而沒有合適工具與環境的現場表演,結果通常就是亂七八糟。如果是我,倒沒什麼關係,我本來就不是專業歌手,唱壞也沒關係,我心裡不會難過,別人也不當一回事。

但他是個專業藝術表演者,為什麼我們要逞一時之快,要求他背棄、破壞他對藝術設定的標準?

我們嚷著要他表演,心裡以為是和他親近的表現,但事實上是一種另人難堪的不公平對待。

做為職業表演者,他的演出就是他的商品和服務。隨口一句話,要他在惡劣環境下即席表演,就是消費他的商品和服務,我們有付錢嗎?如果沒有,這樣公平嗎?

顯然,我們吃飯時遇到個大學教授,並不會說:「嘿,你教什麼?來給我們上個課吧。」遇到會計師,也不會要求:「我這幾張發票,幫我記帳一下吧。」

這是找碴、趁人之危
最後,當有人提出「來唱一首」的要求,他的處境其實很難拒絕。

如果他拒絕當場唱,會讓自己陷入難堪的處境 --是對自己的能力沒自信?還是他這麼小器在耍大牌?或者他根本就是在膨風?這些擔憂,常常讓藝術表演者無法拒絕我們的表演提議。而在這種狀況下,我覺得是趁人之危。

記得「七步成詩」的歷史故事嗎?當皇帝的曹丕,看才高八斗的文學家弟弟曹植不爽,命令他在眾目睽睽之下,用走七步的時間完成一首詩,曹植竟然做到了。對,這顯示曹植才華高,但同時也說明了,「臨時要求當眾表演」是一種找碴,甚至刁難。

新年,放藝術工作者一馬!
也許是類似這樣的經驗我也遇過,所以特別有感、同情吧。我曾經在大學對教授演講,講到一半,一位資深教授打斷:「你講的這些,我已經知道了,對我們沒用的。你換個題目吧,你還能講什麼?你最精采的東西拿出來講,讓我們聽聽看。」我算是個略有經驗的演講者,也不是沒料,但是突然被打亂,還是手足無措了半晌。

這樣的經驗,我明白給別人「即席要求」,是多麼不恰當的事。

快過年了,許多家族或朋友的聚會,這段時間正是「被要求即席表演」的高峰期。祈祝所有藝術工作者不要遇到這樣的局面。如果遇到了,希望會有人出面阻止…如果別人不明白,就多多轉發這篇文章吧!

http://www.businessweekly.com.tw/article.a...pe=Blog&p=1
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Fortepiano
發表於: Oct 20 2016, 12:52 PM


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附加圖片


HANDS according to COMPOSERS

Chopin: 攪拌器,因為創作者聯想到他的黑鍵練習曲Etude Op.10 No.4 https://youtu.be/mUVCGsWhwHU

Scriabin: 由於他右手曾經受傷,因而單獨為左手創作作品,prelude op.9 n.1 https://youtu.be/R6Ty22blCiA

Rachmaninoff: 他的手很大可以彈到12度(可以看兩位音樂IGUDESMAN & JOO對拉赫開的玩笑) https://youtu.be/ifKKlhYF53w

Liszt: 在鋼琴的另一端才能彈到音,意旨手指要跳來跳去(超遠的!)帕格尼尼練習曲<鐘>La campanella https://youtu.be/0FbQZCsYXVg

Ravel: 非常細緻如水般的手(Jeux d'eau噴泉 https://youtu.be/J_36x1_LKgg ),左右手時常要在彼此的上方演奏,就是左右手常常會打架(Ondine水妖 https://youtu.be/Rj8cBmWZhP0 )

Beethoven: 強而有力的手,暗指鋼琴奏鳴曲Op.106 hammerklavier https://youtu.be/FwZsDzGY1XA

Satie: 觸鍵非常溫和像是戴著手套彈琴般Gymnopédie No.1. https://youtu.be/joZAfwXkMUM

Boulez: 只是給你一個概念(他是現代音樂重要作曲家,像是無調性音樂、序列音樂你可以看看鋼琴上的譜長什麼樣子) https://youtu.be/OFOfOhJU7YA

Cage:他”四分三十三秒”的玩笑作品 https://youtu.be/JTEFKFiXSx4 ,以及暗指他將零件放在鋼琴當中的預置鋼琴 https://youtu.be/myXAUEuECqQ

Feldman: 許多創作只用幾個音. https://youtu.be/1XMzh34_wSc

Mozart: 桿麵棍,因為他的曲子當中有很多音階要彈(Piano Sonata K545在1’00左右就有音階囉 https://youtu.be/AoT8YV9qi1g )

Schubert:樂曲當中右手時常有樂段要來回彈奏向滾輪般,相對而言左手非常簡單Impromptu Op.90-2 https://youtu.be/2A5sUnM1aHk

Bach:機器人手,因為作品非常有結構且精密計算的,創作十二平均律The Well Tempered Clavier(https://youtu.be/HlXDJhLeShg 這個影片版本可以看你在哪個調還有譜唷!)

Debussy: 非常輕的觸鍵,就像羽毛一樣.最著名作品:月光CLAIR DE LUNE https://youtu.be/CvFH_6DNRCY

Glass: 鐘擺和節拍,因為他的風格讓他感覺比較技術性,有點像巴哈但更複雜一些(mininalism極簡音樂的代表)
Etude No 16 https://youtu.be/TKJoQ8BfQhw?list=RDzQ6vlecjP5E ,他是電影時時刻刻的配樂師

Bartok: (大)鼓棒,因為作品所需要的力度(想想之前血濺鋼琴的比賽http://oops.udn.com/oops/story/6699/996295- )

原作者說明的地方-->>https://www.reddit.com/r/classicalmusic/comments/3fipli/hands_according_to_composers_final_version/
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Fortepiano
發表於: Oct 19 2016, 12:04 AM


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http://www.chinatimes.com/newspapers/20161017000395-260115

嚴謹的和聲與樂句架構,看似立論枯燥,卻是一首樂曲最重要的骨幹。
69歲鋼琴大師普萊亞(Mrray Perahia)昨(16)日下午舉行大師講習會,從學子的試奏中他點出演奏真義,「我不在意彈錯音等枝微末節,因為不是每顆音都重要,你要找出哪顆才是重要的音,當你找到,你就可以在複雜的樂譜中打造屬於自己的魔法音樂世界。」

快速音階 要融入情緒

普萊亞1947年出生於紐約,1972年贏得英國里茲鋼琴大賽首獎,正式走上鋼琴家之路, 一路順遂,但就在1990年右手拇指不小心被紙片割傷,引發組織惡化發炎,病情時好時壞,讓他多次隱退與復出,但每次傳奇復出,普萊亞總能以更多考證為據,用音符成就一家之言,再度攀上古典音樂殿堂巔峰,更被譽為「左手巴赫,右手蕭邦」名家。

應牛耳藝術「音樂種子在台灣」計畫之邀,普萊亞在音樂會之後特別為台灣的音樂學子舉行了大師班,上台的3位音樂學子包括師大附中2年級的翁譽庭、巴黎音樂學院的陳菡以及國北教大一年級的吳翊菱。

普萊亞先聽翁譽庭演奏貝多芬《奏鳴曲,作品22》的〈第一樂章〉,「對於快速音階的彈奏,快速華麗之外,也要有情緒的融入,而不是一些快速音符的堆積,那樣就變得乏善可陳。」

蕭邦船歌 如夢又深情

接著來自巴黎音樂學院的陳菡演奏舒曼《阿貝格變奏曲,作品1》,普萊亞盛讚她極有音樂性,「音樂流暢,音色清麗,不過情緒單薄了些,和聲的包圍與朦朧感也弱了些,可以再加強。」

最後一位是來自國北教大大一的吳翊菱,她演奏蕭邦《船歌,作品60》,普萊亞先問,「知道樂曲在講甚麼嗎?這是一首用音樂講述的愛情故事。」普萊亞接著演奏,他以獨特的彈性速度觸鍵演繹半夢半醒的夢境,也讓現場學子們了解蕭邦是如何在音樂中藏著他的多情,也藏著他對於情人捉摸不定的擺盪。

和聲平衡 樂句才鮮明

普萊亞表示,「三人都深具演奏能量」,但是「彈琴不光只需要有情感跟能量,更要對於整體和聲有所理解,樂句的起伏才能鮮明。」普萊亞提醒,彈琴不只著重主旋律,左手的低音聲部更要注意,「和聲的平衡與否,直接影響樂曲呈現的歌唱性。」

國立台北教大音樂系系主任鋼琴家張欽全也去聆聽,「我是他的瘋狂粉絲,也鼓勵學生去聽音樂會。」張欽全說,普萊亞讓和聲理論直接落實到鋼琴演奏,直接示範,這的確是台灣音樂學子所欠缺的能力。

(中國時報)

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Fortepiano
發表於: Apr 27 2016, 11:16 AM


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Fortepiano
發表於: Apr 18 2016, 11:17 AM


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本「國際藝術奧林匹亞賽會」係國際性的藝術與美感教育活動,以涵育「學生的藝術與美感素養」為核心概念,希望藉由不同國家文化的交流和團隊合作,促進國內外學生的學習交流,進而拓展學生的宏觀與成長,並強化藝術與美感教育的全球視野為目的。
壹、 依據
一、國際藝術教育的主張,經由藝術的教育,強化各學科的本質與價值,培育感性與理性諧和且具創造力的全人發展。
二、12年國民基本教育的理念,培育「自發」、「互動」及「共好」的學習者,強化其「藝術與美感」的核心素養。

貳、 大會宗旨
本「國際藝術奧林匹亞賽會」係國際性的藝術與美感教育活動,以涵育「學生的藝術與美感素養」為核心概念,希望藉由不同國家文化的交流和團隊合作,促進國內外學生的學習交流,進而拓展學生的宏觀與成長,並強化藝術與美感教育的全球視野為目的。

參、辦理單位
一、主辦單位:教育部國民及學前教育署
二、承辦單位:國立臺灣師範大學

肆、實施對象
亞太地區高級中等學校藝術才能優異學生,包括美術、音樂、舞蹈三類,各類30名,共計90名。
一、國外藝術才能優異學生30~60名:
包括美術、音樂、舞蹈三類,各類10~20名,由教育相關機構、單位或組織推派代表,每個國家人數以2~5名為原則。
二、國內藝術才能優異學生30~60名:
包括美術、音樂、舞蹈三類,各類10~20名,經各校推薦後,由承辦單位聘請學者專家辦理遴選後推派代表。

伍、賽會時間及地點
一、時間:105年8月15日(星期一)至8月19日(星期五)
二、地點:國立臺灣師範大學(106臺北市大安區和平東路一段129號)

陸、賽會主題
未來藝術家的文化素養(Cultural Literacy and Future Artists)

柒、實施方式
本賽會共計5天4夜,進行專題演講、個人創作賽會與跨領域小組創作賽會、成果發表、文化參訪等活動,以提供各國藝術才能優異學生交流與對談的機會。藉由良師演講與學生座談方式以啟迪其對文化的關懷與社會的責任感,並透過賽會過程以省思藝術創作的當代視野、文化理解與生活運用。

捌、審查方法
一、評審團:成立國際評審團(各專業國際專家二名、國內專家學者二名及教師三名為 原則),進行個人及團體賽會的評比。
二、評審項目:
(一) 個人賽會: 各領域(美術、音樂、舞蹈)選出6位共18人給予獎勵。
(二)團體賽會: 跨國跨領域選出5 組給予獎勵。

玖、獎勵方式
一、賽會獎項:
(一)個人賽會獎項: 各類「藝金獎」一名、「藝銀獎」二名、「藝銅獎」三名。
(二)團體競賽獎項: 「藝飛獎」第一名、第二名、第三名、第四名、第五名。
賽會得獎學生,由主辦單位頒發獎狀及獎盃。
二、參與獎項:全程參與且認真學習者,於活動結束後,由主辦單位頒發參與證書。
二、友誼獎項:由主辦單位頒發國際團隊、帶隊師長及學生參與證書。

拾、聯絡方式
一、聯絡人:國立臺灣師範大學「藝術教育推動資源中心」周郁珊助理
二、聯絡電話:02-77346519
三、地址:臺北市文山區汀州路四段88號理學院B206R
四、E-mail:aec.ntnu@gmail.com

拾壹、其他
詳細實施辦法、賽會時程表、國內學生報名辦法及報名表,敬請下載賽會實施辦法。
第一屆國際藝術奧林匹亞賽會 公告.docx
第一屆國際藝術奧林匹亞賽會 公告.pdf

除紙本報名表外也煩請學生填寫線上報名表。
http://goo.gl/forms/lM7cG6itXw

網站:
http://artistic.finearts.ntnu.edu.tw/news/...be665bd8fa66cd5
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Fortepiano
發表於: Apr 16 2016, 07:25 PM


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【鋼琴教學中對兒童讀譜與背譜能力的培養】  

在鋼琴學習中,兒童首先遇到的問題便是讀譜與背譜的問題,正確解讀樂譜是準確演奏作品的首要前提,而精確無誤的背譜又是正確詮釋作曲家作品風格,保持作品完整性的必備條件。因此,對於兒童讀譜與背譜能力的培養,必須從學琴一開始就放在首要位置,使學生養成良好的習慣,為以後的演奏打下堅實的基礎。而每一首美妙的樂曲都是由不同音符、不同節奏、不同演奏方法、不同速度等構成的,這就需要演奏者的眼、耳、心、手同時協作。
  
一、眼到
  
  在鋼琴教學中,許多兒童的演奏存在著大量的錯音、錯拍子等最基本的問題。造成這種現象有以下幾個原因:首先,孩子們的認知能力是有限的,不可避免地會造成一些疏漏,因此教師要不斷強調準確讀譜的重要性,即準確表達作曲家的創作意圖是基於我們精確無誤的對樂譜的二次再創作,要求孩子們不僅要看到音符所在的線與間的正確位置,低音譜號與高音譜號的轉換,更要看到位於每行樂譜前面的調號,正確按照調號來演奏樂譜中的升、降記號,因為對調號的無視,往往會造成整個樂曲調性及風格的改變。有了正確的音符作為演奏的前提,教師還要提醒學生應該注意樂曲中的力度記號,如p、f 、mf、crescendo、ff等等,只有在演奏樂曲時準確地將作曲家的力度要求表現出來,音樂才會豐富多彩,形成立體感很強的多層次空間感。

除此之外,樂譜中所標記的表情記號也是應該提醒學生們注意的一個非常重要的方面。正確演繹表情記號所提示的內容,是正確演繹樂曲風格的一個主要手段。但有的學生經過了三到五年的學習,甚至不知道dolce、espress、tranquillo、cantabile 為何意。所以,在教學過程中要反復告訴學生每一個表情記號的含義,提醒學生應該多查音樂術語字典,以求準確詮釋樂曲的內涵。
  
二、心到
  
  真正美好的音樂源自於我們的內心深處,只有心中感受到了美妙的音響,在演奏中才會通過手指表達出動人的意境。因此,在讀譜與背譜的過程中,要在自己的心中確立以下幾個觀念。第一,樹立正確的聲音觀念。要求學生在背譜時注意到不同的作曲家對音色的不同表現要求,在演奏時通過正確的觸鍵方法得到好的聲音。這也是在鋼琴演奏中區分不同時期作曲家作品的一個重要手段。第二,確立良好的節奏與速度感。在鋼琴音樂中,支撐優美的音樂線條的往往是極具生命力的節奏,正確演奏出樂曲的節奏特點,是正確詮釋樂曲風格、情感與特性的基礎。因此,教師要給學生詳細講解各種不同的節奏特點。另外,教師還要提醒學生注意,那些標記在樂曲前面的速度提示。一首樂曲的速度往往是樂曲風格的展現,在演奏時全然不顧作品的速度要求,會造成對作曲家意圖的錯誤理解與詮釋。因此,在學習新作品之前,教師就要提醒學生注意在內心正確解讀樂曲的節奏與速度要求,必要時可以通過節拍器來規範學生的演奏速度。第三,樹立良好的樂句感。一首樂曲,是由樂句這一具有基本特性的基本結構單位構成的,正確理解樂句和劃分樂句是準確詮釋樂曲的重要前提。學生的演奏應基於準確地分析、解讀樂曲的結構與樂句。讀譜與背譜時要清晰明確地瞭解樂曲的結構特點、邏輯關係,從而加深對樂曲的理解,準確演奏樂曲。
  
三、手到
  
  在鋼琴演奏中,指法是最基本的技術之一。正確的指法,是尋求手指與鍵盤之間的合理關係、手指與音符之間的合理關係的重要途徑。同時,正確的指法,也是彈好樂曲,表達音樂意境的關鍵。正確的指法非常有助於兒童背譜。在不同時代、不同作曲家的鋼琴作品中,每一個作品的指法要求是不盡相同的,在彈奏過程中,掌握住樂句中的一個關鍵指法,後面的音有時就可以下意識地順手彈出,而不必去死記硬背。因此有意識記憶整首樂曲的指法,會有助於完整記憶。這裡還需要指出的是,教師應在教授孩子們樂曲的同時,真正做到“授之以漁”,要求學生在學習新作品時能夠發揮主觀能動性,找出適合自己手指條件的合理指法。在此基礎之上,教師再根據樂譜中所標記的指法,結合學生手指的實際情況,制定出科學、合理的彈奏指法。
  
四、口到
  
  從巴羅克時期開始,器樂從以歌唱為主的藝術形式中脫離出來,而漸漸成為一門獨立的藝術形式。縱觀各個時期的鋼琴作品,我們能從中發現大多數作品都是具有歌唱性的。因此,在鋼琴教學中,對於初學者來說,在其能夠彈出簡單的曲調之後,就要求其演奏要具有歌唱性。為達到這個目的,我們可以引導孩子們在學習一首新樂曲之前,盡可能地先唱出樂譜中具有歌唱性的部分,仔細分析樂曲中的樂句、呼吸、旋律,音的高低、長短、強弱等,認真體會其在歌唱時的情感要求、語氣要求,一般來講,如果孩子們能夠很好地將旋律演唱出來,在隨後的演奏中,往往都會將樂曲的歌唱性完美地再現出來,從而獲得音樂的美感與樂趣。還需要特別提到的是,在複調的學習過程中,一定要讓學生分別演唱左手和右手部分的旋律,在熟悉旋律之後,再要求學生在彈奏右手旋律的同時演唱左手部分旋律,反之亦然。長此以往,學生通過演唱,在演奏時可以清晰地通過左右手的配合再現複調的優美旋律。
  
對於鋼琴的初學者來說,在讀譜與背譜時,如果真正能夠做到眼到、心到、手到、口到,那麼孩子們在演奏時就能夠得心應手,取得事半功倍的效果。“從大處著眼,從小處著手”,是兒童學習鋼琴的一個起點。鋼琴藝術是博大精深、奧妙無窮的知識領域,願孩子們可以暢遊在音樂的海洋中,真正熱愛音樂、享受音樂所帶來的美好感覺。
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Fortepiano
發表於: Apr 7 2016, 12:05 AM


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Fortepiano
發表於: Mar 14 2016, 02:18 PM


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連結: http://event.culture.tw/NTSO/portal/Regist...ion?actId=50077

甄選日期、地點、樂器別:

南區:2016年4月17日(週日),於國立高雄師範大學和平校區 (管樂、弦樂)
北區:2016年4月24日(週日),於臺北市立福星國民小學 (管樂、弦樂)
中區:2016年5月01日(週日),於國立臺灣交響樂團 (管樂、弦樂、擊樂)


藝術總監暨指揮:陳美安 (美國「曼非斯交響樂團」、「芝加哥小交響樂團」音樂總監)
小提琴獨奏:五明佳廉 (2008年美國《Avery Fisher Career Grants》得主)

報名資訊
2016 NTSO國際青少年管弦樂營 甄選簡章

一、目的:

本團為提供優秀青少年音樂學子於暑假期間參與正規管弦樂團之訓練與演出機會,培養合群之團隊精神,特辦理本活動。本營隊於集訓後,安排音樂會巡演,並藉由來自全球各職業交響樂團的專業音樂家經驗傳承,提升學員音樂素養與演奏能力。

二、指導單位:文化部

三、主辦單位:國立臺灣交響樂團

四、協辦單位:國立高雄師範大學、臺北市立福星國民小學

五、師資:(若有異動,以本團公告內容為主)

(一)藝術總監暨指揮:陳美安
陳美安 (來自臺灣的陳美安,目前是美國樂壇備受囑目的新銳指揮家之一。2005年馬爾科指揮大賽首獎,為該獎項五十年歷史中唯一的女性冠軍得主;2010年七月起接掌美國曼非斯交響樂團的音樂總監,2011年起接任芝加哥「小交響樂團」的音樂總監,為該團成立二十四年以來第二位指揮。2015年獲音樂美國雜誌「Musical America」評選為年度三十位音樂界最具影響力的人物之一。)


(二)小提琴獨奏:五明佳廉(Karen Gomyo)
五明佳廉 (出生於東京的小提琴家Karen Gomyo,曾於2008年獲得至高無上的艾弗瑞.費雪職業獎助《Avery Fisher Career Grants》;《芝加哥論壇報》用「具有真正的音樂主導能力、活力、才智與緊湊感的頂級藝術家」讚頌她。)


(三)單項樂器及分部老師:聘請國內外知名演奏家擔任。
小提琴:

曾耿元教授/ 美國約翰霍普金斯大學琵琶地音樂院教授

林慡教授/ 美國德州沃夫茲堡交響樂團助理首席

蒲立偉教授/ 美國亞特蘭大交響樂團前助理首席

謝佩殷教授/ 國立臺灣交響樂團首席

張睿洲教授/ 國立臺灣交響樂團首席

中提琴:

張立國教授/ 芝加哥交響樂團中提琴副首席

何君恆教授/ 臺北市立交響樂團中提琴首席

蕭惠珠教授/ 國立臺灣交響樂團中提琴首席

大提琴:

李百佳教授/ 國立臺灣交響樂團大提琴首席

劉凱文教授/ 國立臺灣交響樂團大提琴團員

低音提琴:

劉如芳教授/ 印第安納波利斯交響樂團低音提琴首席

長笛:

安德石教授/ 國家交響樂團長笛首席

單簧管:

田永年教授/ 國立臺灣交響樂團單簧管首席

低音管:

徐家駒教授/ 臺北市立交響樂團前團長、前低音管首席

法國號:

王姿蓉教授/ 國立臺灣交響樂團法國號首席

小號:

大衛‧巴蒙特(David Bamonte)教授/ 奧勒岡交響樂團小號助理首席

長號:

馬克‧凱洛格教授/ 羅徹斯特愛樂管弦樂團長號首席、伊斯曼音樂院副教授

低音號:

段富軒教授/ 國家交響樂團低音號前首席、文化大學副教授

打擊:

蔡哲明教授/ 國立臺灣交響樂團打擊樂團員

其餘聲部由國立臺灣交響樂團首席、團員及國內具交響樂團演奏經驗之知名音樂家擔任指導教師。

六、參加資格:

(一)居住於臺灣地區人士:

凡西元1993年至2002年間出生之中華民國籍在學學生,以及居住於臺灣地區非本國籍之在學學生,具有演奏經驗者,均可報名參加甄試,經評審甄選合格後,即可參加。

(二)居住於海外地區人士:

凡出生於西元1993年至2002年之非本國籍在學學生,或於海外留學之中華民國籍在學學生,具有演奏經驗者,均可報名參加本團書面審核甄試,經評審甄選合格後,即可參加。

七、報名方式:
(一)
居住於臺灣地區之中華民國籍在學學生,一律採網路報名方式(網址:http://www.ntso.gov.tw/);居住於臺灣之非本國籍人士(持居留證或外國護照者),請電洽本團進行報名 (Tel/ +886-4-23391141#162;e-Mail/ jeffchen@ntso.gov.tw)。

1.報名期間:自2015年12月23日(三)起至2016年3月23日(三)止

2.報 名 費:新臺幣500元整(報名前請審慎評估,繳交報名費後恕不退費;繳款方式詳見本團網站公告訊息)。

(二) 居住於海外地區人士:自2015年12月23日(三)起至2016年3月23日(三)止,一律採通訊方式報名(地址:No. 738-2, ZhongZheng Road, WuFeng Dist., Taichung City 41341, Taiwan, R. O. C.)

八、甄選各項事宜:

(一)居住於臺灣地區人士:

1.甄選地點、樂器別:

南區:2016年4月17日(週日),於國立高雄師範大學和平校區 (管樂、弦樂)

北區:2016年4月24日(週日),於臺北市立福星國民小學 (管樂、弦樂)

中區:2016年5月01日(週日),於國立臺灣交響樂團 (管樂、弦樂、擊樂、豎琴)


北區及南區僅甄選該分區之管樂與弦樂學員,中區除甄選分區之管樂、弦樂外,所有擊樂學員一律於中區辦理甄選。

完成報名後,詳細甄選順序將於4月上旬公告於本團網站,並請於甄試當天攜帶證件(身份證或健保卡,非本國籍者請攜帶護照或居留證;證件需有本人照片)供主辦單位核對身份。

考生可自由選擇甄選區域,無須受限於戶籍所在地或就學地區。

每位考生得於同區或分區報考一項以上樂器甄選,但不得同一樂器在不同分區重複報名;例如:考生A雙主修小提琴與中提琴,則考生A可於北區甄選場次同時報名參加小提琴與中提琴甄選,或於北區報考小提琴甄選,並於中區(/南區)報考中提琴甄選;考生B欲報名大提琴甄選,則考生B僅可於北、中、南三甄選場次中選擇其中一場次報名。


每報名一項樂器需繳交一次報名費。


2.甄選方式:

(1)自選曲:請任選協奏曲(/獨奏曲/奏鳴曲等)之快板樂章(如需伴奏請自備);選考打擊樂者不限定應考樂器項目,惟請於報名曲目欄中詳填樂器項目。

(2)管弦樂片段(樂譜請於2016年1月5日起,進入本團網站點選管弦樂營甄選簡章下方下載)

(3)視奏(現場指定)

(二)居住於海外地區人士:

1.甄選時間:參加甄選者,應於2016年3月23日(三)前,郵寄(1)報名表、(2)個人簡歷及照片、(3)在學證明、(4)護照影本、(5)演奏DVD、(6)在學學校或指導教授或參與樂團之推薦函等,共六項資料至本團,供本團甄選評審團評選 (No.738-2, Zhong-Zheng Road, Wu-Feng Dist., 41341, Taichung City, Taiwan, R.O.C.)。

2.甄選方式:演奏DVD應包含以下內容

(1)自選曲:請任選協奏曲或獨奏曲或奏鳴曲之快板樂章;選考打擊樂者不限定應考樂器項目,錄製30分鐘以內之DVD影音資料。

(2)指定管弦樂片段(樂譜請於2016年1月5日起,進入本團網站點選管弦樂營甄選簡章下方下載)


(三)錄取公告:經甄選錄取之學員,預計於2016年5月18日前公告於本團網站,並以電子郵件或書面通知。

九、活動時間及地點:

(一)集訓:2016年7月9日至21日於國立臺灣交響樂團集訓;集訓期間住宿於霧峰「音樂世界旅邸」。

(二)成果展演:集訓結束,將於2016年7月22日至25日分別於臺灣北、中、南等地演出音樂會,展現學習成果。

十、甄選樂器項目:(各部名額本團將視甄選狀況擇優錄取)


研習費用:



(一)具中華民國籍或居住於臺灣之非本國籍人士:

經甄選錄取之學員,每位需繳交費用新臺幣10,000元整(繳款方式詳見網站公告訊息)。

(二)居住於海外地區人士:

新臺幣10,000元整(研習費用於抵臺報到時現場現金繳交)。
本項費用內含集訓及演出期間之膳宿、集體行程陸運交通費、教師鐘點費、行政事務費、平安保險費及演出等相關費用,不足部分由本團負擔。

本團連絡方式:

國立臺灣交響樂團 研究推廣組 陳達章先生

電話:04-23391141 分機162

E-mail:jeffchen@ntso.gov.tw

傳真:04-23304094

地址:413台中市霧峰區中正路738-2號

※ 主辦單位保留活動內容更動之權利
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Fortepiano
發表於: Dec 2 2015, 12:20 PM


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最近,心理學研究越來越多證據顯示,音樂課程對於腦部神經和心理發展的好處。一項最不可思議的全面性的長期研究,發表於2013年由德國社會經濟小組(German Socio-Economic Panel)提出,關於音樂課的帶來的影響。「學習音樂所提高的認知與非認知方面的表現,是學習體育、戲劇和舞蹈的兩倍之多」,研究更發現,選擇音樂課[1]的孩子「有更好的認知能力和學習成績、責任心、開朗和企圖心」,而這僅僅是個開端。

下面來自Tom Barnes的條列,是音樂課能為神經系統帶來的巨大益處。看過這些巨大的差異後,令人費解的,還有哪個國家會不在他們的學校中提供高品質的音樂教育,讓每個孩子都享有同樣的機會去追求成功。


1、增強你的閱讀和口語表達能力

一些研究發現,腦內區塊對於音調處理和語言處理能力之間有著緊密的聯繫,西北大學的研究人員發現,語言的基礎由五個技能所構成:語音意識、音量的感知、節奏感知、聽覺活動記憶(auditory working memory)、聲音形式的學習能力。透過一系列的研究,他們發現這些技能可以透過音樂課程來加強,被隨機分到音樂訓練的孩子,閱讀表現比其他被分到視覺、繪畫課程的孩子要好得多。

2、提高你的數理和時間、空間推理能力

音樂是與數學密切相關的,樂譜上的間格與數學有關,調性的安排與節奏的劃分。得到高品質的音樂訓練的孩子們在數理上往往表現較好,這是因為年輕音樂演奏者們對於抽象時間與空間的思考上能獲得增長、改善。

根據PBS(positive behavior support正向行為支持)教育編寫的課程裡,這些能力對於解決發生在多重步驟的問題上(multistep problems):「建築、工程、數學、美術、競技、特別是電腦相關的工作上」至關重要。有了這方面的增強加上語言閱讀的能力,年輕的音樂人幾乎可以幫助自己,在他們決定想努力的任何領域上獲得成功。

3、能幫助你的學習成績

在2007年堪薩斯大學(University of Kansas)音樂教育與音樂治療的教授Christopher Johnson發現:「在小學有卓越的音樂教育規劃的兒童,相較於對照組採用一般較低品質的音樂教學,在語言(英文)方面得分提高約22%、數學方面提高20%」。在2013年時,加拿大的研究仔細測量每一年的分數,發現選修音樂的學生平均成績比選修其他課程得來的高。雖然沒有研究可以證明之間直接的因果關係,但兩個都指出了強烈的關聯。

4、提高你的智商

出人意料的,雖然音樂是一種表達情感的藝術形式,但音樂的訓練實際上對於IQ(智力商數)的幫助來的比EQ(情緒商數)多。許多研究曾發現,通常音樂家相較於非音樂家擁有更高的綜合智商。這並不保證你會比那些沒學音樂的人更加聰明,但現在的你要比沒學音樂之前要來得聰明多了。

5、幫助你語言學習速度更快

在人生中越早開始學習音樂的兒童,能發展出更好的語言能力。他們能發展出更複雜的詞彙、更細緻入微的理解文法和更高的語言智力(包含語言的聆聽、記憶、理解等/更多關於verbal IQs)。這些優勢不僅僅是孩子在學習他們的母語,更是將來在學習題它各種語言的能力。

據《衛報》報導:「音樂訓練對於學習外語的文法、口說、字彙上,扮演關鍵的角色」。這些優秀的語言學習能力會伴隨著他們一生,即便到了成年需要學習其他外文的時候,這些能力還是很有幫助。


6、讓你有更好的聽力,當你年長時這將很有助益

音樂訓練使人聽覺更敏感,當年紀漸長時受益更明顯。還在演奏樂器的音樂家們「周圍性聽覺能力(peripheral hearing)」損失的比一般人要慢得多,他們能在吵雜環境中還維持著較好的對話能力。老年人會在噪雜環境中無法將特定語音與環境噪音區分,開來也就是科學家稱之為「“雞尾酒會”問題(cocktail party problem)」,這能力不是聽覺系統功能問題而是牽涉到大腦。(想知道更多)
還在演奏樂器的音樂家們,聽覺能力的損失程度比一般人要慢得多。(圖片來源:flickr@Jake Guild)

7、減緩身理老化影響

不僅僅是聽覺方面,音樂訓練也有助於延緩,因老化帶來的認知能力下降的問題。一些前瞻性的研究,以音樂避免老人癡呆症的有效方法,埃默里大學(Emory University)研究發現,即便因為年齡漸長而不再演奏音樂,但孩童時期調整過的神經系統仍然可以幫助他們在「對象識別」、「視覺空間記憶」、「快速思考與靈活性」上比沒有演奏過音樂的人有更好的表現。但研究者補充說明,這要你至少演奏十年以上,才有這樣的效果。(希望你當初有堅持的夠久)


8、加強你的腦部運動皮層

演奏所有的樂器都需要高水準的手指靈活度和準確性。音樂的訓練會讓運動皮層活化到令人難以置信的程度,這樣的益處是能擴及到其他非音樂相關的技能。2013年時,相關的研究在神經科學雜誌上發表,發現在七歲前學習音樂的孩子,在非音樂相關的動作測驗項目中表現得更好。在年紀尚小時促進胼胝體[2]的神經元連接,為日後的運動訓練提供良好的基礎。

9、提高你的工作記憶

演奏音樂很需要一個人高度的工作記憶(或稱短期記憶),而且似乎越多的練習會擁有越強的工作記憶能力。在2013年的研究中發現,音樂練習與參與者的工作能力、思考速度、推理能力有正面的關聯。

《今日心理學》雜誌的作者William R. Klemm認為,音樂家們的記憶能力能延伸到其他非音樂領域,幫助他們記住講稿、課程與錄音的內容。

10、增進視覺上的長期記憶

音樂訓練還能影響長期記憶,特別在視覺方面。去年德州大學阿靈頓分校(University of Texas at Arlington)的科學家發現,演奏樂器15年以上的音樂家們在圖案長期記憶的表現,比其他人要來的更好。這種視覺敏感度的提升,很有可能是來自於經常解讀眾多複雜的樂譜。(該研究並不包含那些不用樂譜學習的音樂家。)

11、讓你能更好的管理焦慮情緒

佛蒙特醫學大學(University of Vermont College of Medicine)的研究員對6到18歲的音樂家們進行腦部掃描,發現在負責抑鬱沮喪、進擊、專注問題的大腦皮更比較厚實、巨大。根據研究報告的作者指出,音樂訓練「使負責注意力、焦慮管理與情緒控制的皮質組織快速生長」。(這或許也是為什麼你總是時時刻刻,都那麼情感豐富的原因吧。)

12、讓你更有自信

研究顯示出音樂增強孩子的自信心和自尊。2004年針對蒙特利爾公立學校(Montreal public school)的研究將四年級學生分成117個樣本,其中一組接受每週一次的鋼琴教學連續三年,另一組則維持原本的狀態。

最後發現,有每個禮拜學習音樂的那組,在自尊方面的測驗分數顯著的提高。現在大多數人都知道的,高度的自尊和自信心能幫助孩子,不論在學術或非學術領域都有很寬廣的成長和發展。


13、讓你更富創造力

創意這種東西是出了名的難用科學來衡量的東西,不論用怎樣的測量方式總是會有不足的地方。但多數的研究來源表示,音樂訓練是有助於提高創造力,特別是創造性的音樂活動(像是 即興)。

據《每週教育(Education Week》報導,斯德哥爾摩Karolinska學院的神經科學家Ana Pinho表示,「長時間接觸音樂即興的人,在大腦關於創意具有更好、更針對性的活化」,音樂訓練也增強了左右腦之間的信息傳達。而研究表明,音樂人在發散性思維測試中表現得更好,能想出更大量的新事物,並用意想不到的方式將這些新訊息結合起來。
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Fortepiano
發表於: Nov 12 2015, 11:16 PM


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從事音樂教學多年,常碰到家長們詢問以下兩個問題:

「我覺得小孩有興趣,但每次要練習就會造成親子衝突!該怎麼辦? 要繼續堅持嗎?」

「我只是讓小孩學興趣,沒有期望他們成為音樂家,有必要這麼辛苦嗎?」

這是幾乎所有學樂器小孩的爸媽,必經的心路歷程。小孩說喜歡,上課時很開心,表現也不俗,但回到家該練習時,總要三催四請,拖到家長發脾氣,小孩才心不甘情不願去練習,拿起樂器/ 坐到鋼琴前沒過多久,就說夠了;或是,沒有爸媽的提醒,小孩從來不會主動去練習。究竟,小孩真的有興趣嗎? 要不要繼續堅持?

首先,爸媽們必須要理解,學任何一種樂器,都不可能『玩』出興趣,要上手必須要有些基礎,而擁有基礎的不二法門,就是練習。唯有經過練習,孩子才能具備演奏樂器的能力,即便是簡單的曲子也一樣,孩子能完整彈奏出曲子,就會有成就感,也才會有興趣和動力持續下去。學習樂器的過程中,孩子不僅僅學會如何演奏這項樂器,也學到如何克服困難,凡事沒有不勞而獲,同時培養孩子的專注力,一舉數得。

當小孩不願意練習時,該如何幫助孩子呢? 這裡有幾項根據國外研究的有效撇步,爸媽們可以試試。

陪伴很重要
現代人的生活都很忙碌,大家下班回到家,還有許多瑣事尚待處理;加上普遍認為 「我又不懂,也不是我在學,為何要陪練?」通常都是邊喊小孩去練習,一邊忙著自己的事。但對於年紀較小的孩子,獨自完成一件事原本就不容易,練習又是機械式的重複,加上爸媽此時可能正在看電視或是滑手機,小孩更不願意離開去練習。這時,爸媽若能暫時放下手邊的事情,陪小孩一起,孩子感覺不孤單,意願會比較高。不過也要提醒爸媽們,陪練時當個好聽眾即可,適時地提醒但不過度干涉。可以說「我覺得那裡好像有點不順,可以再重複一次。」而非「你這裡錯了,那裡不是這樣。」孩子不會喜歡練習時有個糾察隊在身旁;同時,也不需要過度奉承 「哇!你好棒喔!你真是個莫札特!」過度的讚美,會讓孩子日後遇到困難時更挫折。

設定目標比設定時間更有動力
許多爸媽會用時間要求孩子,例如:老師說要練習 30 分鐘,指針指到這個數字才能結束。這時候,孩子的專注力被引導到時間,會一直問,到了沒? 而非注意自己到底練習了什麼? 或是過程中頻頻分心,玩手指、玩手邊的小玩具或發呆。這樣的練習沒有效果,孩子不會在練習中進步,只是殺時間,時間到交差了事。如果換個方式,訂定每次練習的目標,例如:每首曲子彈幾次,或是能將某一首曲子從頭到尾流暢地完成。有個努力的目標,孩子會較有動力,結束時也會有達成一項目標的成就感!

將練習排進每日優先的作息
培養孩子規律的作息,特別是對小小孩,很重要,有規律的作息,孩子會知道什麼時間該做什麼。但在台灣,雙薪爸媽接小孩回家的時間已經早,而學齡的小孩,回到家常會拖拖拉拉,等到吃完飯、洗了澡、做完功課,時間也晚了,爸媽只好讓小孩上床睡覺,犧牲練習這件事。因此,將練習排進每日優先的作息,能避免孩子刻意的拖延,隨著時間漸漸養成習慣,變成每日生活的一部分。不過計劃還是能有些彈性,如果某幾天真的無法達成,放鬆一下也無妨。

偶爾讓孩子享受一下
許多孩子學習樂器的初衷,是為了能彈奏自己喜歡的音樂 (通常都不是古典音樂),但基礎培養的過程,曲目通常不有趣,孩子容易覺得乏味,覺得不夠酷,爸媽如果能跟老師溝通,偶爾給孩子一些他們熟悉的曲目,例如:卡通歌曲、電影配樂,讓孩子感受 “能彈奏自己喜歡的曲子” 的成就感,孩子會更願意練習。

營造接觸音樂的環境
初學樂器的過程,技巧的學習佔較高的比例,學習認譜,如何讓樂器發出悅耳的聲音等,較少接觸“音樂” 的部分,若讓孩子有更多接觸音樂的機會,能大大提高孩子的學習意願。拜今日科技、網路發達之賜,資源取得非常容易,也不用花大錢。爸媽們可以試試,在早餐或接送時播放古典音樂廣播,或是在網路 (例如 Youtube) 上搜尋孩子正在學習的樂器和曲目,讓孩子觀摩他人的演出,透過欣賞,也能培養孩子辨別好壞的能力,進而朝更高的層次努力。行有餘力,帶孩子參加適合的音樂演出,親臨現場,感覺又更不同。這些,對孩子的學習,非常有幫助。
學習樂器就像對日抗戰一般,堅持到最後,勝利才會是你的!以上幾點,和正在跟孩子奮戰的爸媽們分享!

from: http://babynews.in-mommy.com/2015/11/motiv...rce=footershare
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Fortepiano
發表於: Nov 7 2015, 11:37 PM


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The words I learned from Itzhak Perlman today at Taipei
1. Playing with passion and love not only on stage, but also when you practice.
2. "Listen carefully" is the most important skill and procedure in practice.
3. Practice slowly and efficiently with well planned methods, but not counting hours.
4. Practice not only for techniques but also for music. So you know how to make music on stage.

「練得快就忘得快,練得慢就忘得慢。」享譽國際的小提琴天王帕爾曼5度訪台,昨(6日)舉行音樂分享會,由新科柴可夫斯基大賽銀獎得主曾宇謙擔任翻譯,帕爾曼不僅傾囊相授,而且妙語如珠,現場笑聲不斷。

唯有付出 才會持久

有學生問他要如何做好抖音?帕爾曼反問:「你的老師是誰?那是他的責任。」聽見麥克風傳出莫名雜音,他說,「也許這是我爸媽的鬼魂在叫我。」提到練習的訣竅,他則再三叮嚀「慢、慢、慢」。

「所有的藝術都需要時間,練琴要慢,唯有付出,才會持久。」「困難的部分要分段練習,練音準時不要忘記弓法,練左手不要忘記右手,記住,就是要,慢,慢練,這是最重要的,一定要慢。」

這是帕爾曼第二次來台舉行音樂分享會,當帕爾曼的魔毯輪椅「滑」進現場,立刻響起熱烈掌聲,一小時的分享,宛如老爺爺般殷殷教誨,年輕學子如沐春風,也上了一堂寶貴的音樂課。

每天一小時練音階

師大音樂系主任陳沁紅表示,「很幸運我曾為大師翻譯過一場,不過那已經是21年前的事了,這次我邀請我的學生曾宇謙來翻譯,也有傳承意味。」

帕爾曼1945年出生於以色列特拉維夫,父母親是波蘭籍猶太後裔,13歲時帕爾曼移居美國,20歲首度登上卡內基音樂廳,隔年參加列文垂特國際小提琴大賽贏得首獎,展開職業生涯,至今70歲仍是一尾活龍。

帕爾曼的分享會反應熱絡,新店高中一年級學生林昱伶就問大師,學琴最困難的部分在哪裡?帕爾曼回憶,剛開始學琴的7、8年,他都一定每天花一小時的時間練音階,雖然無聊,但卻打下扎實的基礎。

要耐得住性子練琴

小提琴家蘇顯達則問大師,要如何做出迷人的音樂?「我覺得製造好的聲音可以從技術而來,但每個人天生的聲音就是不同,彷彿指紋,這就是可以讓自己聲音更迷人的地方。」

不過帕爾曼還是再三強調要耐得住性子練習,而且要做足準備,「練琴就是要花時間,不能因為是奏鳴曲,就覺得可以一周前才開始練。」

帕爾曼小提琴獨奏會今天早上11點舉行,地點在台北國家音樂廳。曲目包括勒克萊爾《第3號小提琴鋼琴奏鳴曲》、布拉姆斯《C小調詼諧曲》、法朗克《A大調奏鳴曲》以及史特拉汶斯基《義大利組曲》。合作鋼琴家則為羅漢.德.希爾法。(中國時報)
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Fortepiano
發表於: Oct 31 2015, 01:04 AM


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國立台灣師範大學本年度開設《流行音樂產業概論》(Introduction to Popular Music Industry )課程,邀集各方業界音樂人、專業製作人擔任講師,《流行音樂產業概論》課程將從一張唱片的誕生過程,概述音樂工業的各個環節與產業的發展變化。並同時講授詞曲創作、編曲與演唱的要領,進而學習如何以優質的音樂語言抒發個人心情,或傳達出對於社會環境的關懷,並培養出宏觀的視野來看待與品評大眾流行音樂的價值。

本次課程邀請Berklee College of Music講師Tim H. Lee來台介紹百克里音樂學院的環境及教學內容,讓有志專攻音樂專業領域的人們一覽這所學校的多元和創意。(以下為講座內容)

波士頓百克里音樂學院(Berklee College of Music)是美國知名的音樂殿堂。學校有30~37%學生是國際學生,來自300多個不同國家,Berklee接收不同文化、音樂底蘊的人才,也因此讓這個波士頓的校園充滿多元性。
Berklee的初創期間為1950年代爵士樂開始茁壯發展的時期Berklee相信音樂人是可以被訓練的,以專業課程教學為主,同時給予與產業接軌的職涯發展機會。

以爵士及流行音樂為主軸的Berklee,和古典音樂學校的走向不同,Berklee不斷針對音樂產業環境的改變來調整經營方針,學校給予學生學習課程彈性高,每年的音樂活動多達3000場,學校也有300多個大小不等的樂團,學生可自由選擇加入,而頂尖的訓練課程,加上許多的實習機會,使得Berklee校友是葛萊美獎等國際重要音樂獎項的常勝軍,有80%的畢業生在國際間的音樂產業活躍,像是台灣就有歌手王力宏、伍思凱。

Berklee的大學部有12項主修可選擇,包括古典作曲(Composition)、爵士作曲(Jazz composition)、音樂治療(Music therapy)、當代創作(Contemporary writing and production)、音樂商業管理(Music business/management)、演奏(Performance)、電子音樂製作與設計(Electronic production and design)、音樂教育(Music education)、電影配樂(Film scoring)、錄音工程(Music Production and engineering)、作詞作曲(Songwriting),專修課程(Professional music)。

進入Berklee後,必須先選定一種樂器主修,再根據上述所選擇的主修課程作共同修習;其中較為熱門的如當代創作(Contemporary writing and production),主修與唱片公司直接相關的幕後製作課程,並與波士頓的其他知名學校合作學程;電子音樂製作與設計(Electronic production and design)則是近年作最流行和受歡迎的主修課程;還有一項非常特別且熱門的主修是專修課程(Professional music),是由學生設計自己的主修課程內容,對於不同背景的學生有幫助:如近年流行的YOUTUBE影音製作,加上電影配樂等其他與音樂相關的學習內容,設計並提出構想後,可以和老師討論後安排自己的學習課程。

如果對唱片設計等專業樂器額外的產業課程有興趣,Berklee也提供位於波士頓的姊妹校可額外研修Creative Art(創意設計)課程。Berklee在硬體設備方面也非常完備,學校有6個大小不等音樂廳,琴房24小時開放,錄音室開到早上6點,更有樂譜圖書館及唱片庫。並且有學生經營的企業,包括3個網路平台,讓學生作品有曝光的機會,以及跟三間唱片公司接軌的課程和實作、音樂商業雜誌發行等(Berklee groove)。

Berklee College of Music更設立有五週的夏季音樂學程以及線上課程,無須試鏡(AUDITION),讓各個不同經驗、背景和學歷的人都能體驗Berklee的教學;來自Berklee 的教授Tim H. Lee更強調,「Music is language」,期望不管是正規課程或夏季課程,來到Berklee的人們都可以真正尋求自我、找到自己定位。

有學生提問在眾多音樂類型當中,Berklee或者美國音樂文化如何看待韓流音樂(K-POP)?Tim H. Lee表示,韓流音樂其實是將韓國的一部分文化(唱跳音樂)帶入美國潮流(如Billboard排行榜音樂、R&B以及hip-hop),會受到美國或世界歡迎正是因為他接近美國音樂(Mixing American),Berklee並不排斥但也非專門開設相關課程,主要是在Berklee強調將專門技術傳授,而這些專門技術可以帶回自己的國家或走往自己想嘗試的領域和方向。

今年度Berklee將於11月9日至11月11日首度來台招生,在台灣的享巷 Rhythm Alley舉行試鏡和面談,想要報名參加考試的人,這次可以不必再跑到其他國家!若有意想要申請Berklee的人,學校除了要求英文程度(托福72分以上)外,會測試學生的演奏、聽力、即興演奏及視唱視奏,而每年至少有40%的學生可以得到獎學金,每年美金4000元至全額抵免。

Tim H. Lee更補充,Berklee不侷限你是一定要是什麼樣音樂程度或者必要有所才華:「我們沒有想要找到朗朗那樣的人,他不需要來這裡上課。」Berklee尋求多元、有創意,期望自己在專業領域有所進步和願嘗試各種合作的人才。



大家勇敢追求音樂夢想吧!

享巷 Rhythm Alley:

http://rhythm.looker.tw/

FACEBOOK

Berklee College of Music官方網站:

https://www.berklee.edu/
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Fortepiano
發表於: Oct 31 2015, 12:56 AM


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聲音是人們賴以溝通的主要媒介,我們可以用不同的聲音表現情緒、述說故事,引起信任、同情、憐憫,作為人聲的延伸,音樂自然成為能夠最即時地溝通人們內在的藝術之一。過去有關音樂對人類心理層面影響的研究可謂汗牛充棟,但是近年來也有些研究著力於生理層面,試著探索音樂對腦部的影響,特別是腦中與情緒、動機、計劃、酬賞有關的區域:一份來自芬蘭Jyväskylä大學的新研究認為,音樂不只可以引起強烈的情緒反應,如果規律地習樂,還可以重組腦中的迴路。

這份研究使用2009年以來的資料,分析結果顯示長期規律地練習樂器會使腦中職司聽覺和靈活反應的中樞變大。而其它過去的研究也已表明,音樂家腦裡連接左腦與右腦的組織(胼胝體)較大,所以他們也想知道音樂是否能夠促進左、右腦間的溝通。

答案很可能是肯定的!

這個研究團隊找來兩組受試者,第一組人全都是有音樂學位的專業音樂家,第二組則沒有專業地演奏樂器的經驗。在試驗中,他們把三段音樂:前衛搖滾歌曲《Stream of Consciousness》、皮亞佐拉的阿根廷探戈《Adios Nonino》、史特拉汶斯基《春之祭》選段播放給兩組人聆聽,用核磁共振掃描器即時監測他們腦中的神經活動,發現第一組人左、右腦的活動遠比第二組人要對稱、均勻,其中又以鍵盤樂器音樂家表現最為平衡,研究者歸因其與必須平均地使用雙手演奏有關;在職業樂團中演奏的音樂家則能對多種刺激作出即時反應,這是得以成功合奏音樂的重要潛質,研究者也認為這種需要速度與效率的能力,有賴左、右腦的平均使用。

該研究的結論強烈地暗示音樂家確實擁有「經過重組的大腦」,讓他們不只是優秀的音樂家,廣義來說,也是更好的溝通者,而這也許是個吸引我們拿起樂器的好理由。
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Fortepiano
發表於: Oct 30 2015, 12:14 AM


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任職於茱莉亞音樂學院的運動心理學專家Noa Kageyama博士,平日致力於教授學生如何在壓力下拿出更好的表現,不過俗話說:「臺上一分鐘,臺下十年功」,想要達到所謂「更好的表現」,其基礎必然是紮實的練習。

回到家裡,在督促自己的孩子練習樂器時,Kageyama原本也是抱持「多次重複練習就會做得更好」、「一次又一次的累積才能培養紀律」等我們耳熟能詳的觀念,但身為專家,他更知道這些觀念雖有道理,卻只說對一半:事實上這並不是一切,要在練習中得到最佳成果,應該是要練得更聰明,而非練得更辛苦。

但怎麼樣才叫「練得聰明」呢?Kageyama想起了德州大學奧斯丁分校音樂學院Robert Duke教授的實驗,他們邀來17位鋼琴演奏或教育者,請這17位受試者學習(練習)蕭斯塔科維契第一號鋼琴協奏曲中一個三小節的過渡樂段,這個段落中包含了一些需要高度技巧才能克服的困難,一般是無法直接視奏的,不過還沒有難到讓專家們無法在一段練習中學會。


在試驗中,每位受試者有2分鐘熱身時間,然後他們會拿到樂譜、節拍器和鉛筆。接著他們都可以照自己的需要恣意練習、時長不拘,有人8分半就練完,也有人練了57分鐘。出了琴房,他們就不能再做任何練習,直到24小時後再次受試時,在2分鐘熱身後,每個人都被要求連續地把這個樂段彈奏15次。

研究者以兩個層次對他們的表現作出評價,基本的層次是彈對音、跟上節奏,進階的層次則是以聲調、個性、表現力將17份演奏分出高低。

評分後,他們發現,練得久跟彈得好真的不是一回事,但非只如此,在練習中彈奏正確的次數,竟然也跟最後的成果無關,只有彈錯的次數越多者,傾向最後的表現越差。而在練習過程中,彈奏正確的次數在所有次數中占的比例越高者,才是最後受試時表現較好的一群。

從得分較高的人身上,他們歸納出8大練習特色:

1. 在練習中,他們很快就可以做完單手練習,開始兩手並練。
2. 很快就有音調變化,這顯示他們對演奏的音樂有了最初的概念。
3. 練習時有思考,這可以從他們暫停下來看著樂譜、哼唱、做記號、發出「啊哈!」的理解聲中觀察得到。
4. 一出錯就會馬上停下勘誤。
5. 錯誤發生時,會馬上強調它。
6. 每個錯誤的位置與來由都被清楚標明、重新演練與糾正。
7. 受試時,每次演奏這個樂段的節奏變化有系統性、符合邏輯、有跡可循。
8. 重複樂段直到改正錯誤、能夠穩定的演奏它為止,所以他們不會在接下來的練習及最後受試中再彈錯。

在8個特色中,又以最後3個最為重要,一以貫之,研究者從表現最好的三位受試者練習的過程中發現:「如何處理錯誤」是其中的關鍵。最好的鋼琴家不是不犯錯,也不是一開始就錯得少,所以學得很輕鬆,而是他們用有效的方式來處理錯誤,以免一再犯錯,最後就能達到「練習中彈對的比例較高」的結果。

至於具體來說,他們如何克服錯誤?有些人是分左右手練習、有些是將音樂分段來彈,但不論怎麼做,這些方法都有一個共同的特色:放慢速度。

最好的演奏者在犯錯時,會帶著猶豫、慢速但不間斷地重複,直到停在上次彈錯的地方之前,這似乎有助於他們更準確地再次挑戰出問題的部份、用能夠掌握的速度把修正後的演奏拼湊起來,而非一直重複錯誤卻找不出問題所在。

看來秘訣正如蕭伯納所說:「成功並非建立在從不犯錯上,而是建立在不再犯同樣的錯上。」

來源:THE CREATIVITY POST
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Fortepiano
發表於: Oct 20 2015, 12:44 AM


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「2016年小澤征爾音樂塾管弦樂團巡迴演出」台灣區甄選計劃
小澤征爾Seiji Ozawa先生從2000年起,致力培養年輕音樂家參與室內樂、交響樂團或歌劇演出,參與學生均受益良多,並獲各界佳評。今擬於台北甄選優秀青年音樂家參與2016年小澤征爾音樂塾交響樂團參加小澤征爾音樂節[為了孩子的交響樂]和[為了青少年的歌劇]演出,並在日本進行樂團培訓及演出。

2016年培訓與演出日期:
(一) 2月5日--28日,於日本
小澤征爾音樂塾歌劇演出項目之九: 小約翰.史特勞斯: 歌劇[蝙蝠],指揮:小澤征爾

(二) 8月23日至9月7日,於日本松本市
[為了青少年的歌劇]: 拉威爾: 歌劇[孩子與魔法],指揮:未定

甄試時間: 2016年11月24日 (星期二)
地點:另行公布
◎ 甄選條件:
一、樂器:小提琴、中提琴、大提琴
二、年齡:16歲以上(2000年4月1日以前出生),29歲以下(1987年4月1日以後出生)
三、甄選曲目:巴赫無伴奏曲和自選曲(需自備伴奏) (時間:10鐘)

※ 中提琴、大提琴需要另外演奏交響曲片段: (時間在這10分鐘以外)
※ 審查老師:川本 嘉子, 原田 禎夫 等

◎ 甄選方式:
第一階段:2015年11月17日前,以e-mail方式連同報名資料表(教師簽名)、照片傳送至
「蠻藝術」achangart@gmail.com
第二階段:將於2015年11月24日 由日方審查委員於台北現場甄選。

※ 活動期間音樂塾提供赴日往返機票、住宿及每日生活費5000日元(但不提供演出費)。
※ 特別說明:由於活動期間正值台灣開學期間,進入第二階段者請自行衡量個人學業或生涯狀況。

諮詢:
台北負責人: 張 璇 /Alice Chang ( achangart@gmail.com ) 電話:0939-015-339
日本負責人: 高慎建 shenjian@verozajapan.com 電話:81-90-6012-4823
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Fortepiano
發表於: Oct 14 2015, 11:42 PM


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李安:「脆弱教會我的事」
■與其說我的成功是從脆弱開始,不如說我很勇敢面對我的脆弱!我不在乎把它拿出來,也因為從事藝術的我有這種真誠,所以才會動人!我因為自己脆弱,所以很能同情別人的脆弱。

■其實在拍「理性與感性」那部電影時,我一個英文句子都還講不全,但手上卻有英國最好的文學作品、卡司,包括皇家莎士比亞劇團、劍橋、牛津畢業最頂尖的人,平常都不可能講上話,可是我因此更注意他們的表情,也把它拍出來,還提名七項奧斯卡,事情就這樣一直發生。

■自信有兩方面,一個是天生的,這個我比較少;另一個是外來給的肯定,當大家給你的肯定多了,你自然就會產生「自己也不錯」的樣子,有一種自信心。

■我剛到美國時當然很害怕,比剛進台南的小學還害怕,因為語言不通。其實前兩年我都是半猜半聽,吸收非常有限,後來我的視覺能力變得比較強,而我又很會猜英國人、德國人、黑人、白人怎麼想,也都猜中。所以,為什麼有人說我各種電影都可以拍,其實跟我很會猜有關。

陳文茜:中國男人通常不談自己的脆弱,但李安認為很多脆弱時刻,讓他找到了力量,看見了某些溫暖。他把自己放得非常低,有一種中國文明裡特殊的謙虛,以及任何文明裡都欠缺的包容、忍耐和脆弱。在脆和弱的不同概念裡,他提示了每個不同生命所面臨的難題,變成了最會說別人故事的人,某種程度也將自己的人生故事處理的極好。為什麼你覺得脆弱對你那麼重要?

李 安:大家看到我都是風光的一面,當然我也想表現風光的一面,尤其是在台上時,因為我發覺不僅能給大家很多鼓勵,也能給社會正面能量,不光是我自己好面子。事實上,我經過很多失敗,脆弱是我的本質,但不曉得為什麼我用戲劇的方式反而表現了我的強項,成為一個成功的示範。

與其說我的成功是從脆弱開始,不如說我很勇敢面對我的脆弱!我不在乎把它拿出來,也因為從事藝術的我有這種真誠,所以才會動人!我因為自己脆弱,所以很能同情別人的脆弱。而戲劇是檢驗人性、哪壺不開提哪壺的藝術,強的東西不太容易動人,你脆弱時,大家就會替你著急,幫你演戲,而這時是最動人的。

我常跟演員說:「如果你表現這麼多,根本就不需要同情,你的作用是讓別人幫你著急,幫你演戲,因為你再怎麼演,也沒有觀眾的腦筋演得好。」同樣的道理,我想我很受大家喜歡,可能跟我的樣子不是很強硬有很大的關係。

我小時候是個非常瘦弱、容易害怕、容易哭的人,從小碰到什麼事都要哭,一年級時,我每天至少要哭一次,很容易被東西嚇哭,是很沒有用的一個人。看電影如果是哭戲,我會哭到整個戲院都在笑說:「你看,那個小朋友哭得好好玩!」而我還是停不住抽泣。

小時候,我就對很多事很有同情心,但也因為我很瘦小,所以常常很害怕。我在花蓮師範附小時,有我怕的事情;到了台南也因為我不會講台灣話,而且台南公園國小又是大學校,在這樣一個本省的陌生環境,我常常很害怕。

初中成長期,我個子特別小,初一大概是一百三十幾公分,高中才過了一百六十公分。到了高中更糟糕,我父親是校長,但我還是很害怕,不曉得在怕什麼,書也念得不是很好,本心是個很脆弱、很乖的小孩,從來不敢反抗。不過,也不知道為什麼到了四十多歲以後,我竟拍一些別人不敢拍的東西,就是很喜歡!上手一個片子以後,才發覺很可怕,而我就是每天把該做的工作做好。

電影有兩件事對我來說很奇怪,第一,電影對我很簡單,不知道為什麼別人做得那麼吃力,像我在電影學校時,不太會講英文,但不曉得為什麼我一做電影,大家都會聽我的話。學校畢業以後,有一部台視電視劇願意讓我去打燈,不管我是打燈、打雜,或是在紐約拍片,從早上開始到下午,我就變成導演,每個人都聽我的。

其實在拍「理性與感性」那部電影時,我一個英文句子都還講不全,但手上卻有英國最好的文學作品、卡司,包括皇家莎士比亞劇團、劍橋、牛津畢業最頂尖的人,平常都不可能講上話,可是我也把它拍出來,還提名七項奧斯卡,事情就這樣一直發生。我常常拍完以後,有一種不可承受之重的感覺,所以,我的人生其實很矛盾,但後來我也認命了,覺得你們喜歡就喜歡吧!

陳文茜: 這句話突然感覺有一點驕傲?(現場一片笑聲)

李 安: 因為太多的謙虛看起來會有虛偽的感覺。不過,謙虛是我的本性,不是我做出來的,有時我要很體面,因為想為台灣、亞洲人爭面子,這樣就能壯大自己的勇氣,不斷給自己不同的理由讓自己體面一點。

其實我的本性跟媽媽很像,是個很依賴人、脆弱、害怕的小孩,也很像台灣人的個性。有些台灣人從小到大都在輸的環境、害怕的狀況下長大,內心很脆弱,長大以後,也不是說要強硬,而是你的真誠不光是面對自己的脆弱,有時膽氣壯一點也是真誠的一部分,我盡量訓練自己,不要那麼怕。

我有挫折的地方,也有做作的地方,就是你們覺得我還不錯的樣子,那些其實是我做出來的,因為我本性其實是害怕、喜歡躲起來的人。我想我也不謙虛,我拍電影好像還不錯!

我一直拍到「斷背山」,我的第九部片子,才覺得其實我還滿不錯的,一下子就可以把事情處理掉,還挺會拍片。我一直拍到第八、九部才有這種感覺,前面都是在很害怕的環境,可是後來就變成必須要學我很怕的東西,不然好像就不夠真誠,後來也有這裡心情在裡面。不過,那是一種反求諸己,必須要真誠面對害怕的事情。但拍電影應該要有新鮮感,就像瑪丹娜唱的「 Like A Virgin」,也就是每一次都是「第一次做」的那種感覺。

陳文茜: 你從小在台灣長大,很愛哭,一直都是輸的感覺,通常這樣的孩子到了美國,那個輸的感覺會更徹底,因為台灣到底不是一個完全歧視你的地方。可是到了美國,你怎樣在一個讓你更脆弱的地方,居然慢慢找到了自己?若用一種社會定義來講,你失敗了非常久,可是你怎麼從來不會用那個角度看自己?

李 安: 自信有兩個方面,一個是天生的,這個我比較少;另一個是外來給的肯定,當大家給你的肯定多了,你自然就會產生「自己也不錯」的樣子,有一種自信心。像當總統也一樣,一開始可能很害怕,但閱兵幾次以後,那個樣子就出來了,市長也是,幾次會議、演講,樣子就出來了,做導演也一樣,剛開始不敢講話,後來也不曉得為什麼自信就會漸漸出來。

我剛到美國時當然很害怕,比剛進台南的小學還害怕,因為語言不通,但我們從小就看美國電影,所以很崇拜他們,當然電影裡很多都是假的,但我們不曉得,以為美國人就是那樣。所以到了美國,一看到白人是既興奮、又新鮮,好像走進布景一樣。記得有一次放學,看見他們打美式足球,男的又快又壯,女的又漂亮,褲子穿得又短,就覺得很自卑,感覺他們又聰明、又優秀、又漂亮、又健壯、又白,看了之後覺得很沮喪。

因為學戲劇語言很重要,要不斷溝通,而且都是涉及文化的東西。所以前幾年我都是半猜半聽,吸收其實非常有限,所以,後來我的視覺能力變得比較強,而我又很會猜英國人、德國人、黑人、白人怎麼想,也都猜中。

所以,為什麼有人說我各種電影都可以拍,其實跟我很會猜有關,因為我很會觀察、猜測、揣摩、旁敲側擊,用各種方法抓到那個準頭,這跟那段時間的訓練有很大的關係。那段時間雖然很害怕,可是我的命比較好,對戲劇有天份,一碰這個東西好像就沒有害怕,在藝專時也是這樣。

陳文茜:我想幫一般年輕人問一個問題,未必是電影文化學院的人才有的問題,對他們來說,這個時代是三個世代以來最糟的時代,當然這是從西方人的角度來說。從東方人的角度,你父親那一輩才是最悲慘,但是,某個程度來說,我們現在的年輕人面臨的大環境很不好。你在紐約蹲點那麼久,在那個過程中,是什麼使你堅信自己的理想,不去選擇別人的價值?因為大多數的人很難相信自己的理想,太需要社會或父親給他肯定,你怎麼一直堅持你的夢想?當然我們知道你有個好太太,但一定是你敢於蹲點到一個程度,最後你跳躍起來,像「臥虎藏龍」裡的老虎。然而,對很多年輕人來講,他可能進入社會時,根本找不到自己的價值,或者他有自己的價值,但一摔跤,就放棄了。

李 安:我們這一代經歷了抗戰、內戰,到日本把台灣交還國民黨,而我們父親那一代在抗戰時期長大,經歷風雨變色,他們的憂患意識非常強,也有強烈的大中國情結,當然也有固執的一面,可是傳給我們的是生存力和韌性,也就是很能受氣、吃苦、有骨氣,我父親不喜歡我做電影,但他給了我一種骨氣,從小就告訴我們:「我們江西人很有風骨。」所以,我從小就知道人要有骨氣,但我沒有傲氣,外圓內方和生存力、競爭力這些都是他們那一代教給我們很重要的東西。

我父親不喜歡電影,會覺得電影很虛幻,認為若是共產黨打過來怎麼辦?靠什麼活?因為他們經歷過血洗的經驗,是犧牲的一代,也是傳承的一代,當然也將他們的不安、恐懼傳給我們。我們這一代既有憂患意識,也覺得明天會更好,想出國得到更高的學位,學別人的優點長處,不管是在外面發揚,還是回來為國服務,都有「家、國」的觀念和骨氣在心中,我不敢說我們這一代很優秀,但還不錯,在做事方面不像父親那一代那麼古板,比較開通,也受美國、日本、各方面的影響,觀念上比較開通。

但是,我看到台灣這一代的小孩,就比較軟一點,很善良、可愛,可是生存意志比較軟一點,有時你要提醒他們,擔心他們,但素質都非常好,善良又聰明。一個人會反映父母那一代,我們的小孩則反映我們是怎樣的人,而我們反映出的是父母,這個世界已經在變,台灣也一直在變,我希望台灣愈來愈好,生存意志和競爭力不要往下滑,光人好沒有用,要有生存力、競爭力,還要能表現。

陳文茜:你蹲點在紐約等電影拍的那幾年,除了煮飯,你都在做什麼?

李 安:發呆的時候很多,我應該去賺錢,不管做什麼工作,事實上,我也可以找電影的工作,但我這個人有一個毛病,就是沒有做我喜歡的事,或者幫別人做事時,我整個人就好像塌了一樣,一點力氣都沒有,沒有辦法控制,這是我的弱點。我在學校一拍片就好有神,一不拍片整個人就很不靈光,我的性向非常清楚,覺得自己怎麼這麼久都拍不成,挫敗感很重。

可是,最好的創作是Get it from nowhere,也就是不曉得哪裡來的靈感,所以,你要去不知道的地方找靈感,事實上,是靈感找到你。換句話說,創作是有閒階級的事,如果你去煎漢堡,就會很忙碌,因為沒有人會白給你錢,但花那麼多精神在那裡,就無法百分之百專心籌劃片子,所以當片子來時,你可能還沒有準備好,我很害怕發生這個事情,所以就真的苦苦在等。

你也不可能常常有那麼多靈感,一年有一、兩個靈感,寫出來以後,那段時間會很有活力做研究,雖然沒賺錢,太太看我很有幹勁也很高興,覺得你想到什麼東西?有東西可以聊人就比較有活力,推銷幾個月以後,慢慢沒有消,人又開始消沉,但還沒完全絕望時,另一個想法又來了,一年總是有那麼幾次,挺折騰人的,對我耐心的磨練很大。在這些挫敗裡就會學到商業電影、劇情長片需要什麼,觀眾會告訴你一個原因,不管你服不服從,從裡面你會學到很多東西。所以,我在這段時間裡歷練了很多,當然我的家庭基礎相當好,後來開始拍片,到處跑時,也是用這些老本、老感情,大家對我都很支持。

其實我發呆的時間很多,我不鼓勵年輕人發呆,很多人發呆也沒有搞出什麼名堂來,怎麼交代?你沒有做事,又沒有做事的基礎,生活不知道該怎麼辦真的很糟糕,藝術其實是沒有理由的,賠錢、賠青春、賠你的家庭關係,各方面都賠了,但你還在做。

書籍介紹
《我害怕,成功》,時報出版

作者:陳文茜

繼暢銷書《我相信,失敗》,陳文茜再次將15位夢想戰士的故事獻給即將啟程和正在夢想路上的你。

(本書版稅全數捐贈「中華民國骨肉癌關懷協會」)[/size]
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Fortepiano
發表於: Oct 14 2015, 10:50 PM


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舞台上的忘譜、焦慮,時常是古典音樂演奏者,從初學者到音樂家都會面臨到的問題,只是緊張程度上的差別。有趣的是,一般人彷彿認為這沒什麼似的,認為我們學音樂的一定隨時隨地都能來上一首;看著我們打扮的漂漂亮亮的大步上台,瀟灑來上一段,但演出前的後台,令人抓狂的焦慮狀態卻是鮮為人知。

在英國近期發表的文章當中,我們分享演奏家舞台後不為人知的焦慮狀態,以及從生理到心理如何克服上台緊張的方法。
被紐約時報形容為當代最多才多藝的表演者之一,著名男高音-喬納.考夫曼(Jonas Kaufmann)。他在今年獲邀為逍遙音樂節「最後一晚」與女高音Danielle de Niese和鋼琴家Benjamin Grosvenor在亞伯特廳同台演出。他回憶一場在二十年前幾乎毀了他職業生涯的音樂會。

當今炙手可熱的男高音Jonas Kaufmann,曾多次獲得《留聲機》雜誌年度大獎。在26歲時,考夫曼由樂團伴奏演唱著華格納的歌劇「帕西法爾(Parsifal)」第三幕的高潮時,身體突然發不出任何聲音,他呆站在那,樂團又重來一遍指揮又再度給他指示時,他卻感到越來越困惑。癱瘓考夫曼的是身理上極度的焦慮,聲音嘶啞,最壞的情況就是完全失去了唱歌的能力。當然,後來他藉由不斷的訓練重拾自信並克服了它。考夫曼面臨的狀況,比你想像的還更容易出現在這些似乎對壓力免疫的專業音樂人士身上。歷史上許多偉大的音樂家,從卡拉絲(Maria Callas)到霍洛維茲(Vladimir Horowitz),都一直努力地克服台下殷殷企盼,所給予的強大壓力。

霍洛維茲對壓力的厭惡讓他一度從所有的舞台上退休,歌手包括保羅麥卡尼到芭芭拉.史翠珊都被次折磨。甚至,連當時音樂廳的寵兒-蕭邦也寫到,「我不適合音樂會,觀眾恐嚇著我,我被他們的呼吸所嗆、被他們的目光癱瘓。」每晚台下觀眾對霍洛維茲殷切期待,對他造成難以想像的壓力,一度中斷演出長達12年。

身體對愛和恐懼的反應是極其相似的
「走出去與高度的公眾壓力打交道,不是誰都做得來的事」皇家音樂院的表演科學教授Aaron Williamon說道:「這無關年齡或經驗,身體固有對壓力的反應會影響他們的身理,或甚至心理狀態」。北方皇家音樂院Jane Ginsborg教授要求學員寫下戀愛時的感覺,稍晚又要他們寫下上台前在後台的感覺。發現愛和恐懼雖然是對立的情感,但學員寫下的反應卻極為相似,共同點是身體對如此激動情緒的反應。這就是為什麼幾乎所有的獨奏會前,音樂家特別在上台前會感受到相當程度上的焦慮,最糟的是心率會突然下降,導致演出者在現場凍結或甚至昏厥。比這稍好一點的是「戰鬥或逃跑」的反應,神經系統會刺激腎上腺素(adrenaline)和正腎上腺素[2](noradrenaline)進入血液,造成一個惡性循環。當它們互相作用達到某種程度會造成心律加速、肌肉震顫、胃血增流至肌肉,引起噁心和我們形容為「蝴蝶亂亂飛」的感覺。如果控制得當這些賀爾蒙能提升注意力、增加強肌肉反應協調、擁有更好的表現,但是過多的話則會造成損害、增加焦慮和恐慌、記憶力喪失、和製造更多的壓力。

來自童年創傷
我們對這些反應的程度受到我們的遺傳,和經歷的環境因素等複雜組合的影響,焦慮會部分繼承自母親懷胎時的激素,和孩童時期的刺激所留下的創傷。身兼鋼琴家與「演奏恐懼:怯場的歷史與記憶(Playing Scared: A History and Memory of Stage Fright)」的作者-Sarah Solovitch歸因於他的恐懼因為媽媽癡迷地希望女兒成為一名獨奏家,在孩童時期,Solovitch還有著被拿著勺子在廚房中追打直到她練習鋼琴的記憶。而更多的經驗能減小對於壓力的反應,心理學家和表演導師相信每個積極的音樂家,可以制定一些應對機制來面對個人的壓力。「有些人更多的是來自於心理的壓力,但有很多訓練方式能幫助你克服它」Williamon說道:「就是你用不同的方式去闡釋身理上各種的狀態的話,情況也會跟著不同,把它(緊張的情緒)當作你身體已經準備好要去面對(上台),而不是將它視為事情會變得更糟的訊號。」

靜下來,審視內心
「把恐懼視為一種正向的興奮狀態」,是認知行為療法的口頭禪。然而像Solovitch這樣將焦慮歸咎於經歷童年創傷的演奏者,這些「心理動力學(psychodynamic[1])」的研究可能能夠幫助他們思考、檢視自己「我的感覺是什麼、我該怎麼做」。因為症狀因人而異,Jane Ginsborg認為很多老師會傾向推動學生去做任何治療技術的嘗試,北方皇家音樂學院的前負責人就建議,每位獨奏者都能從心理治療中受益。她說:「但這些方式要取決於你的症狀、病因、和這些對你的意義是什麼、與你個人的特殊經歷。」


更細膩的背譜
最近的一項針對44名專業獨奏家的研究,目的就是確定這些用來對付壓力的常見思維與過程。有些人偏向身體方面,例如控制自己的呼吸和踏步、其他人則回溯自己過往成功的經驗鼓勵自己。然而,大多數的人將音樂通過完全內化的方式來達到放鬆的狀態;這是利用敘事性思維的途徑,將每個不同的樂段串聯成一個屬於自己的故事。這是最常見處理壓力的一種方式,需要將每一樣細節輸入到整個腦袋的記憶裡。「這需要一定的練習方式,你要完全梳理清楚作曲家寫的東西,將它剔減至最基本的和聲進行,並且去仔細理解 那些看起來理所當然的音樂綴飾。」皇家學院首席教授Joanna MacGregor說:「這樣的方式讓你深深的攀附在音樂裡面,並且給你更深入更扎實的基礎。減少你將焦點放在自己的感覺,因為你完全嵌入在音樂裡面。」

音樂家直到上台的時,才有機會真正與壓力交鋒
長久以來,真正學習面對這無法逃避、百分之百的壓力的方法,都只能當箭在弦上時,在觀眾面前或是評審前才能進行。這是種很殘酷的方法,一邊面臨生死關頭時,一邊學習處理心中的感受。要了解如何幫助獨奏者發展必要的適應能力,Williamon試圖從實地經驗中獲取靈感。「如今,即便是實習外科醫生也經常在一個虛擬的手術室裡學習,他們在人體模型上做逼真的傷口,同時在聽覺和視覺上擬真,讓實習外科醫生模擬實際的身理和心理狀態。」受此啟發,他發明了全世界第一座虛擬音樂廳,完全模擬後台區域和管理、等候室。一切都如實際上台前的狀況,包括30和15分鐘的倒數計時器、開門、鼓掌的聲響在後台迴盪的聲音。「當他們一走上舞台,聚光燈會打在身上,他們透過互動虛擬裝置,會看到台下坐滿等待的觀眾或是評審們。這樣的發想是我們允許他們自由的排練,並在安全的環境下處理自己的壓力。」


最重要的,還是對飛翔的渴望
自從虛擬音樂廳推出以來得到了令人欣喜的成果,雖然虛擬實境運用,預示著在未來,能出現更多針對表演藝術壓力訓練的新領域。但MacGregor教授認為還是有一個面相是固有不變的,就是在心底深層驅策你向人展現才能的渴望。「即便你感到無比焦慮,作為一個表演者,你仍然要歡迎任何在觀眾面前演奏的機會。當然很多的培訓,對身心的事前準備,能讓心理有充分的彈性在舞台上感覺更加自在、並發揮創意。但最重要的,還是最終要有走上舞台並且想在上面飛翔的渴望。」

原文:http://solomo.xinmedia.com/music/24858-musiciansstress
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Fortepiano
發表於: Oct 9 2015, 01:39 AM


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想要和諧「好聽」的現代音樂,可選塔維納(John Tavener)或培爾特(Arvo Pärt);想聽複雜曲調則可尋惠塔克(Eric Whitacre)或魯特(John Rutter)的合唱或節慶音色。儘有這些選擇,但樂評仍專找史托克豪森(Karlheinz Stockhausen)布雷茲(Pierre Boulez)或費尼豪(Brian Ferneyhough)等音樂,稱之為「嘎嘎作響的門」,指此為現代古典樂骨幹。

這正是《衛報》樂評瑟維斯(Tom Service)指出的現代古典樂的五大迷思之一,現代作曲家比貝多芬或莫札特還有更多的曲調可運用,因此開啟了前所未有的音樂質感,不只有「嘎嘎門聲」。另一迷思是「現代古典樂難以接近」,但要是沒有史托克豪森把錄音室當樂器、沒有萊許(Steve Reich)和葛拉斯玩「卡帶循環」、沒有「具象音樂」(musique concrète)和盧西爾(Alvin Lucier)實驗音樂採樣,流行音樂也許就會完全不一樣了。

第三個迷思,是人要有點年紀和知識,才聽得懂現代古典樂,穆爾(Gillian Moore)的南岸藝術中心則會告訴你:「不一定。」該中心的教育課程向學童介紹了一般認為「簡單易懂」的拉威爾(Maurice Ravel)和「難懂不和諧」瓦列茲(Edgard Varèse),學童最愛的反而是瓦列茲。一般人可能以為現代古典樂與世界現狀無關,這又是一個迷思,因為卡迪尤(Cornelius Cardew)作曲總是充滿社會政治意識,而阿當斯也免不了觸碰禁忌的恐怖份子等題材。

第五個迷思在於現代古典樂的「古典」字樣,管弦樂團或弦樂四重奏的編制,讓人以為這是過去的作曲家所設想的音樂陣容,以為過去的想法填滿了現代的想像空間。喬納森.哈維(Jonathan Harvey)絕不贊同這樣的想法,因他使用電子樂器編制的樂團,絕對是現代的想法;而阿德斯(Thomas Adès)在千禧年前夕所譜寫的《預言美國》(America: A Prophecy)就是帝國終結的警訊。現代古典樂或音樂其實沒有隔閡,聽眾只需要開放心胸、張開雙耳,就能聽得到不同的聲音。

原文:https://read.muzikair.com/tw/news/get-rid-of-the-five-myths-of-modern-classical-music-3290
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Fortepiano
發表於: Sep 15 2015, 04:16 PM


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Having a memory slip in the middle of a performance is probably one of the more embarrassing things that can happen to a musician. For many performers, it is the single most anxiety-producing aspect of live performances. Yet even the best are not immune to memory issues – even major concert artists have been known to make memory slips from time to time.

I’ve had my share of memory slips of course, from the slightly embarrassing variety (blanking out in a small informal concert) to the truly mortifying (getting lost in an unaccompanied Bach piece in the second round of an international competition). Yet, when I was a student, I never learned how to memorize music. Or more specifically, I never developed a trustworthy system for memorizing music.

Good “remember-ers” tend to recognize that their memory is not infallible, and not only use memory strategies, but know which ones work for them and which ones don’t. Poor remember-ers tend to assume (or hope) that they won’t forget, and don’t make explicit use of any particular strategies. I have to admit, I was in this second group for most of my life.

Entire books have been written on memory, and psychologists and neuroscientists are making new discoveries about learning and memory all the time. Though much of it is actually quite fascinating, a discussion of the nuts and bolts of memory is beyond the scope of this post. For now, I will just go directly to the good stuff – four key memory strategies (and their implications for musicians), that will become indispensible in your attempts to develop a more “bulletproof” memory.

Without further ado, here they are.


Strategy #1: Rehearsal

This is an obvious one, perhaps, but repetition and practice do increase the strength with which the music is encoded into our memory. However, what many of us do might be better described as mindless repetition, or merely playing something over and over without really thinking about what we are doing — just hoping that muscle memory alone will take care of business on-stage.

The goal here is to a) vary the different ways in which we practice and encode the music into our memory and cool.gif force ourselves to recall the information we need via different methods.

For instance:

See if you can hum or solfege the entire piece without referring to the score.
See if you can “play” the piece on your instrument — without making a sound.
See if you can visualize the score in your head and mentally “play” the piece through from beginning to end.
See if you can mentally “hear” yourself play the piece through from beginning to end.
Try closing your eyes and trying to mentally rehearse the piece from beginning to end, “feeling” yourself play the piece on your instrument, “hearing” the desired sounds being produced, and perhaps even “seeing” the notes pass by on the score. Can you get through the piece without a hitch?
Great! On to the next strategy!

Strategy #2: Organization

Organization refers to arranging the material to be learned into groups, subgroups, and hierarchies of subgroups.

In other words, take a look at the musical structure of the piece? How does your part fit with the other instrument(s) involved? What are the actual note values, the dynamics, the tempo markings, etc.?

Ready for a challenge? Sit down with some empty staff paper and write out by hand, the entire piece from memory.

Got it? Next!

Strategy #3: Elaboration

Elaboration means going above and beyond mere repetition and rote learning, by working to assign meaning to the material.

This means to make the piece more than just a collection of notes and sounds, but to give it more life by identifying mental images, scenes, stories, dialogue, faces, personalities, characteristics, emotions, and so on, that can be linked to the notes, gestures, phrases, sections, and movements that make up a piece of music.

The more vivid and specific these elements are, and the clearer you are about how to produce these through your music, the more strongly the music will be etched into your brain and the more likely it is that you will be able to convey your ideas to an audience to begin with.

When I was a child, my mother and I would sit down with a new piece, and work our way through the score, literally creating visual images to go along with different phrases and sections of the piece and using colored pencils to draw/color these into the actual music itself. My old scores look like coloring books. Does it seem like something only kids would do? Maybe, but I never had any memory issues until I “outgrew” this strategy and stopped doing it.

Create a vivid set of scenes, characters, etc. for each of the sections and phrases of the piece. Draw them on paper if you’d like, and be very clear in your own mind about what you see.

Strategy #4: Method of Loci

I’ve seen this strategy referred to by other terms (e.g. “memory castle”), but the method of loci strategy is where one links new material with the elements of a familiar routine or location, such as one’s daily commute, or one’s hometown, or current residence.

Malcolm Lowe once noted that he conceptualized each piece as a journey or trip, imagining the beginning of a piece as the starting point (e.g. perhaps walking out the door of his house), and then tracing a route through the piece to the end along an imaginary path (for instance, stopping by a park, sitting on a park bench, feeding the birds, seeing a mime put on a show, walking through a grove of trees, getting splashed by the fountains, watching some kids play catch, grabbing a hot dog, meeting up with a friend, reminiscing on good times together, walking back home, etc.).

Do you have your piece “mapped” out?

If you have gone through all four of these strategies, and applied each of them in earnest, you will reach the point where you can’t get the music out of your head even if you wanted to.

But this all sounds like an awful lot of work…

Is it a bit much? Well, yes perhaps, but how much fun is mindless repetition?


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Fortepiano
發表於: Sep 15 2015, 04:01 PM


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作曲家荀白克曾說:「總有一天,心理學家將能解譯音樂語言。」,這預言似乎自莫札特效應發表以來已逐步實現……如今,全球人們對音樂的無窮潛力,都抱有相當大的期待,許多學者、研究團隊在高科技的儀器幫助下,紛紛以各種角度來探討音樂與大腦、心靈、甚至是情緒的關係,深究人類心智與大腦是如何感受音樂。



2013年日本京都大學正高信男與哈佛大學普羅夫斯基(Leonard Perlovsky)兩位教授組成的研究團隊,在科學期刊「Scientific Reports」發表了莫札特的「小步舞曲」能夠幫助提高人們的「專注力」的研究。近年,許多研究也都指出,無論是演奏音樂、聽音樂,都是一種有效的心理與大腦運動,其中「古典樂」對人類的效果更是顯著,可見音樂是可以被視為「幫助人類進步的工具」。歷史悠久的金革唱片,今年也以此作為企劃構想,邀請知名音樂教育家李明蒨女士,共同發表有別於傳統古典樂的主題專輯──《專注力 效率Up!》,強調透過音樂的聽覺訓練,鍛鍊出心智專注的能力。透過這次與金革唱片合作的機會,我們特別邀請到李明蒨老師,與大家分享她多年的經驗



金革唱片:老師好,很高興有這個機會能跟您合作。從您許多著作中就能發現,老師您一直致力推廣音樂應用的面向,請問老師您是從何時發現音樂蘊含了這個功能?又是在怎樣的機會下想做這件事?



李明蒨:我是個熱愛音樂的人,同時也熱愛宇宙間存在的一切生命,人類當然也包括在此。在學習音樂的過程,我充分體會到音樂帶給我(生命)的幫助,尤其是「演奏」的訓練,這真的對我幫助很大!因此我會想,如果是沒練樂器、或是沒有機會接觸音樂的人呢?是否有可能感受到音樂的幫助?因此,我很希望藉由分享音樂,讓大家也都能感受音樂帶來的美好。



至於我是為何開始想要作這件事情,其實是在我從海德堡音樂暨表演藝術大學回國後,為瞭解闊別已久的台灣現況,我曾廣泛地閱讀報章雜誌,無意間讀到江漢聲醫生的專欄,江醫生在文章中處處透露出他的音樂素養以及對人類關愛,令我敬佩不已,我不僅成為他忠實的讀者,也想著要跟上他的腳步,發揮自己在音樂上的專長,試著走下台接近大眾、貼近社會。久了,我發現音樂可以做的事不只教學和演奏,需要音樂的地方實在是太多了。


金革唱片:老師您提到「需要音樂的地方實在是太多」,這是否也代表著音樂的應用是非常廣泛,是否能請老師簡單介紹,在音樂的應用上有哪些層面呢?
李明蒨:後期浪漫派大師馬勒曾說他的交響樂「無所不包」,仔細想想這話一點也不假!只要是想得到的,幾乎都可與音樂串聯應用,舉幾個我曾講過的講題:「談音樂身心療癒、談環保、談培養領袖氣質、談大腦活化、打造學習力、培養專注力、創造力培養,音樂與運動休閒……」這些都是音樂應用於「生活」與「自我學習」的領域,在這本《專注力 效率Up!》之前,我也曾寫了一本給長者們,從音樂的聆聽中達到心靈養生、健康樂活的書呢。


金革唱片:從老師列舉的講題中,真的是看見音樂的多元性。其中老師有提到「身心療癒」,我記得老師在大學中也有開設一門「音樂與心靈」的課程,據說這門課還創下選修人數高達兩千人的紀錄,是不是能請老師跟我們簡單介紹音樂與心靈的關係?



李明蒨:聽音樂是一種透過右腦接收感性訊息的活動,是一般人較少活化的部份。我們絕大部分的人,都是以左腦(代表著理性思維)為主要活動的人,但偏重於左腦式思惟的人,時常會遭遇到思考的瓶頸,此時就需要右腦的輔助,如何活化右腦,聽音樂就是一種方式。



我們都曾聽過音樂會影響情緒的說法,事實上這也是右腦在音樂中被誘發的一種結果。英國牛津大學發行的《大腦皮質期刊》就曾提到:「不同類型的音樂分別會誘發不同腦部區域的活化。簡單來說,正向的音樂會誘發大腦中與獎賞有關的區域(striatum, insula)。」 同樣的道理,聆聽適當的音樂,能有效改變腦波,有助於心靈與思緒的平靜和諧,這是一個回歸自我對話以及右腦活動的時機,取得思緒與心靈上的平衡。



金革唱片:大腦的運動真是相當的複雜,也難怪老師在《大腦的音樂體操》一書中,也有提到跟「專注力」相關的篇幅,老師是怎樣看待專注力這件事?



李明蒨:我認為「專注力」是一種大腦的習慣,而所有習慣都是透過學習或是訓練被養成的。因此想要學習專注,首先就是要能靜下心來,這點相當的重要!



不僅在《大腦的音樂體操》,在《專注力 效率Up!》一書中,我也特別強調「聽音樂必須有耐心,當心隨著音樂安靜下來,才真正聽得到音樂。」當你的心靜了,同一首曲子也能一直從聆聽中有新的發現。要達到這種狀態,可是要具備一定的專注力,即使現在無法做到,只要持續的訓練,久而久之培養出這樣的好習慣,做其他事也容易專心。





金革唱片:習慣這件事真的很重要,拿我自己學英文的經驗來說,我發現一旦有習慣的練習英文,就確實會有進步的感覺;但一段時間沒去使用英文,也很容易就此忘記。是不是能請老師在進一步說明,為何透過聽覺,我們可以訓練專注的能力?



李明蒨:好的!大腦百分之九十的能量都來自聽覺,當我們都不願好好聆聽,大腦是處在長期缺乏養分的狀態,因此我們很難將複雜的訊息整理、消化,導致我們的思緒時常是紛亂的,難以專注。尤其是這個時代,我們每天能透過各種管道接收各式訊息,尤其是現在我們人人手上都有一隻通往世界的鑰匙(手機),手機與網路帶給我們生活與獲取新知的便利,同時卻也帶給我們許多不需要的訊息,每天龐雜的訊息是需要被消化,如何篩選成為很重要的課題。因此,這需要訓練,將化繁為簡的技巧融入生活中。正如之前提到的“Just Listening”(單純聽)就是一個訓練的好方法,這也許看似無聊、浪費時間(許多慣於左腦思考的人都這樣認為),但其實這是有品質的大腦訓練、幫助訓練專注能力的腦。



金革唱片:原來如此,無怪乎老師在《專注力 效率Up!》一書中會提到用音樂的三元素(節奏、旋律、和聲)來作為訓練的方式,請問老師為何會特別著重這三個方向呢?



李明蒨:正如你說的,這三個元素是構成音樂的基本。



節奏,是人在聽音樂最早的本能反應,下次你可以留意看看,當你聽到一段有感覺的歌曲,你是不是會不自覺的跟著搖頭晃腦或是打起拍子呢?



旋律,則是讓人琅琅上口,觸動心弦,是最明顯的感性訊息。



和聲,則是共振精神的境界,這比較難以具體說明,不過若是以古典樂曲的曲式來舉例,可以想像是聲音和諧與否的安定感吧!就好比說終止式或是諧和與不諧和音程傳遞出的聲響效果。



這三個層次和優質的專注力很類似,首先要有本能的覺察力(如本能反應節奏的律動),能專注於自身,而後能同理心於他人感受上(將心比心的感受對方的心思),最後希望世界大同(一個和諧的境界)。這樣的想法,源自有感於現今價值觀混亂,究竟有沒有機會找回一絲同理精神,我覺得「自我覺察力」是重要的基礎,這一項都作不到,說什麼都不客觀。



金革唱片:「己所不欲,勿施於人」,同理心的建立真的是相當重要。雖然說《專注力 效率Up!》是針對成年人規劃,但同理心的培養,應該是從小就要開始,請問老師這對小朋友是否也有效呢?



李明蒨:這樣說也沒錯。但現階段針對小朋友設計的練習是不太一樣,我會建議是多一點在想像力的挖掘上面。



金革唱片:如此,您是否建議從小就給小朋友聆聽古典樂?為什麼呢?


李明蒨:根據國外長期的研究,這是肯定的!聽音樂的孩子在大腦潛能開發上,無論是創造力、學習力、專注力、情緒穩定上皆有幫助,但音樂的選擇也是很重要的。



金革唱片:最後,是否能請老師建議大人與小孩,該怎樣透過聆聽古典樂來訓練專注的能力?


李明蒨:成熟的大人們需要面對的事情太多了,壓力也太多了。所以盡量透過音樂來覺察自身的狀態、心跳、呼吸、肌肉的緊繃感,以及情緒變化,透過自我覺察然後在改善,是成熟大人的必修課!而小小朋友們,在這階段,盡量藉由音樂去體會聽覺帶來的各種面向,透過想像力或身體律動與音樂連結,讓孩子能自由的發揮大腦的潛力。



音樂教育家 李明蒨簡介

出生於宜蘭羅東。受質純宜蘭水滋養,奠定追求質純人生目標。致力推廣音樂生活化,喜歡看見在音樂裡綻放的每一張笑臉。

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Fortepiano
發表於: Sep 9 2015, 05:18 PM


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卡爾‧奧福(Carl Orff)將中世紀的古詩歌,譜成現代風格的合唱作品《布蘭詩歌》(Carmina Burana),不絕如縷的節奏透過百人合唱以及定音鼓、鋼片琴、鈸、鑼等各式打擊樂器,營造出搖滾震撼的動聽旋律;而享譽國際的西班牙拉夫拉前衛劇團(La Fura dels Baus, Spain)在導演卡盧世.帕德利薩(Carlus Padrissa)轉換下,以驚人的視覺效果、特效與機械手臂,讓觀眾同時聆賞激昂的旋律,並全然沈醉於拉夫拉的神奇世界。
拉夫拉前衛劇團自1979年成立以來,即以超凡無羈的視覺美學挑戰觀眾的感受與心靈,被公認是全球最具影響力的當代劇場創作群,《布蘭詩歌》2009年首演後,世界各大藝術節爭相邀演,終於今年臺中國家歌劇院力邀之下,得以於臺中夏綠地公園演出。本製作預計徵選12位協演人員,一起與拉夫拉前衛劇團及國立台灣交響樂團共同呈現這齣磅礡的作品。

【甄選條件】
對象:年滿18歲,具舞蹈訓練背景、或專業舞台演出經驗之長髮女性演出者,肢體表演開放空間大,表演藝術觀念多元,能隨音樂屬性及導演指示演出。

【排練演出行程】
排練及演出時間:2015/11/15(日)-11/21(六)09:00-22:00,含排練5時段、彩排及正式演出2場,排練即演出時間暫定如下:
2015/11/15(日) 09:00-12:00、2015/11/16(一) 09:00-18:00
2015/11/17(二) 09:00-18:00、2015/11/18-21(三-六)18:00-22:00
排練及演出地點:臺中市夏綠地公園戶外演出舞台及排練室(臺中市惠來路二段101號)

敬請自行評估需能完全配合上述排練及演出時間,再行報名

【報名與甄選辦法】

▲ 即日起至2015年9月10日(四) 中午12:00止。填妥報名表格後email至audition@npac-ntt.org,信件主旨請註明「《布蘭詩歌》協演人員徵選」。

▲ 2015年9月14日(一)前本單位以電子郵件通知徵選時段

▲ 徵選時間:2015年9月19日(六)14:00-15:00、15:30-16:30、17:00-18:00,共三時段

▲ 徵選地點:國立文華高中舞蹈教室(地址:臺中市407西屯區寧夏路240號,進德樓2樓 )

▲ 徵選方式:現場依指定樂曲及動作指示,即興演出。

▲ 徵選注意事項:應徵者請提前30分鐘報到並暖身,請穿著貼身舞衣,或簡潔看得到身體線條之衣裝。自備舞鞋、相關護具。

▲ 錄取者將於2015年9月23日(三)前以電話及電子郵件通知。未錄取者,恕不通知。
聯絡資訊:Email: audition@npac-ntt.org/Tel: (04)22292369#32區小姐、#31邱小姐
http://www.npac-ntt.org/news.aspx?cid=2015...;pid=2015080004
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